Arte,Cultura

¿Cuál es el origen de “La Catrina”?

19 Jun , 2018  

Es una de las máximas representantes de nuestro país, el mundo le teme, pero nosotros buscamos cualquier cosa que tenga su forma: en una calavera de cerámica, en la ropa, en cualquier mueble u objeto de decoración e incluso, sobre nuestro rostro y en nuestras pieles. La catrina, ícono de nuestra cultura, una imagen que simboliza no solo la muerte, sino la cosmovisión y aceptación de esta para el mexicano.

Pese a esto y el profundo significado de la muerte en las costumbres y tradiciones de México, la imagen de la catrina tiene poco más de un siglo que apareció por primera vez, gracias a pintores y pensadores de la época de Benito Juárez, Sebastian Lerdo de Tejada y Porfirio Díaz. Durante sus gobiernos, el descontento de la clase media por la desigualdad del país y la preferencia de las clases privilegiadas dio paso a que muchos hicieran público su informidad y critica por medio de escritos, que utilizaban la sátira y el tono burlesco, acompañados de dibujos que representaban y apoyaban su pensamiento.

En este periodo, José Guadalupe Posada, reconocido caricaturista, ilustrador y grabador de le época, público diferentes trabajos que se caracterizaban por sus criticas sociales, la evidente desigualdad e injusticia del país durante el periodo porfirista, los cuales iban acompañados por diversos grabados de calacas o calaveras que ilustraban todo tipo de situaciones: corridos, historias de crímenes, a los políticos y la alta alcurnia de la Ciudad de México.

Así es como nace la conocida Calavera Garbancera, que era en si una representación del pueblo, en sus mejores y peores momentos. Aunque hoy se asocie más con el día de muertos, este estilo de caricatura era una representación de los famosos vendedores de garbanzo, personas humildes de origen indígena o mestizo que aparentaban ser ricos, tratando de ocultar sus raíces y remarcando fervientemente tener ascendencia europea. Por ello, los comerciantes pretendían llevar

un estilo de vida igual al de las altas casas europeas, daba como resultado que el poco dinero que tenían lo gastarán en ropa, accesorios y demás cosas en vez de invertir en alimento o sustento para ellos y su familia, teniendo un aspecto muy delgado y demacrado, similar al de un cadáver.

Posada fue una influencia y referencia para el pintor mexicano Diego Rivera, quien hasta 1947 cambia el nombre de calavera y ocupa la popular palabra que, en los pueblos, muchos trabajadores y personas de clases bajas usaban para hablar de los grandes hacendados, hombres de clase acomodada, de dinero y que, a pesar del tipo de terreno, siempre vestía ropas finas: El Catrín. Pero Rivera lo uso para hacer referencia a una mujer, por ello es que en su mural Sueño de una tarde dominical en la alameda central (Museo Mural de Diego Rivera) el ser que aparece al lado de su versión infantil y enfrente de Frida Kahlo es conocida como “La catrina”.

 

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Arte,Artesanías,Cultura

From Mexico with love: Arte Huichol

14 Jun , 2018  

“From mexico with love” o como diría una popular agrupación mexicana “de México para el mundo”. Nuestro país no solo es rico por encontrarse en una posición geográfica privilegiada que le ha permitido ser considerado como “un cuerno de la abundancia” en cuanto a productos alimenticios. Además de eso,

Entre las bellezas que más han destacado alrededor del mundo, el arte huichol es una de las tradiciones que recientemente ha acaparado la atención. La innovación combinada con las artes folklóricas del pueblo Huichol, nativos de los estados de Jalisco, Nayarit, Durango, San Luis Potosí y Zacatecas, más que una artesanía, es un arte que permite interpretar el universo por medio de símbolos y diseños.

También conocidos como wixárikas, el origen de los artistas aún no está del todo esclarecido, debido a que no sabe si son descendientes de otros pueblos como el chichimeca o tolteca, pero se acepta que su vida fue muy independiente de los grandes imperios de la época prehispánica. La preservación de su estilo de vida y creencias se debe a que, al arribo de los españoles, el pueblo emigró a la sierra para poder mantener su autonomía y evitar la conquista.

De esta manera, su cultura solo se fortaleció, creando tradiciones y medios para representar su imagen del mundo de una manera particular y única. Sus creaciones y artesanías no solo son consideradas hermosas por mexicanos y extranjeros, sino que detrás de cada composición y diseño se esconden grandes deidades y una cosmovisión que se arraiga en sus creencias religiosas.

La estética que se observa en sus trabajos, la variedad de colores y el uso constantes de tres elementos: el maíz, el venado y el peyote, no son por cuestiones azarosas, sino que son parte de sus interpretaciones de la vida cotidiana, los mitos que se han preservado en la tradición yo deidades atemporales que se representan con los elementos naturales.

El arte huichol ha traspasado las fronteras del espacio y tiempo. Hoy día, cada vez más países buscan exponer en diversos museos y recintos culturales sobre esta ancestral arte. Incluso empresas como Volkswagen han buscado involucrarse en este arte, pidiendo que artistas huicholes decoraran el exterior de uno de sus más emblemáticos vehículos.

Sin importan que tan globalizado este el mundo ni cuanta tecnología haya, de algo podemos estar seguros, los artistas huicholes seguirán protegiendo su cultura y su idea de la vida a través de las chaquira, el hilo y sus ideas.

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Maestros del LEGO

12 Jun , 2018  

Si te apasiona armar y construir miniblocks Pokémon o de cualquier otra figura, puedes comenzar a pensar seriamente en dedicarte a este hermoso arte de manera profesional, pues, aunque no lo creas, algunas personas han demostrado que armar bloques es más que un juego o pasatiempo para niños. Estas personas son eminencias en cuanto al armado de ladrillos de plástico se trata, que ha sido capaces de recrear a escala monumentos, obras de arte e incluso esqueletos de dinosaurios.

Estos hombres ostentan el título de LEGO Certified Professionals, el cual les permite ha convertido el hobbie de muchas personas toda una profesión de tiempo completo. Hasta el momento, solo 14 personas forman esta comunidad y ninguno de ellos ha trabajo antes para la empresa LEGO, pero son reconocidos por sus habilidades, competencias y destreza para darle forma a un montón de piezas de plástico.

Dirk Denoyelle

Este hombre de origen belga se graduó como ingeniero en micro electrónica, fue un poliglota y comediante antes de dedicarse profesionalmente a la construcción de LEGO. Sus creaciones son en 2D y 3D y ha hecho desde los rostros de Chaplín, Salvador Dalí hasta reproducciones de obras de arte y rostros de famosos.

Sean Kenny

Este hombre de Estados Unidos se ha declarado ser un “niño profesional”. Pues a pesar de que anteriormente tuvo una oficina y trabajo profesional en Nueva York, sabía que ese no era su verdadera vocación. Así que lo dejo y comenzó a llevar a cabo la actividad que hacia por hobby: las creaciones con LEGO. Ahora vive de ello y entre sus obras más importantes destacan la recreación del estado de los Yankees que incluye jugadores y público a tamaño escala y mide aproximadamente 1.5m por 2m.

Nathan Sawaya

Este hombre dejo su trabajo en Nueva York para dedicarse a ser un maestro constructor a tiempo completo. Hoy es considerado un artista contemporáneo y cuenta con dos estudios para trabajar con las más de 2.5 millones de piezas de lego que tiene.

Matija Puzar

Este programador noruego ha buscado impulsar a que más personas adultas descubran y disfruten de jugar con legos, que más que una actividad para niños, son una forma de encender la creatividad. Sus obras destacan no solo por su ingenio, sino porque son capaces de tener movimiento o iluminación propia.

Jumpei Mitsui

Es el más joven de las personas que han sido certificadas por la compañía de bloques. Estudiante de la Universidad de Tokyo, además de ser un especialista en la construcción de esculturas que se relacionan con las estructuras, los animales, las animaciones y caricaturas como pikachu, es uno de los embajadores de la marca en oriente, buscando difundir la infinidad de posibilidades que existe al construir con los bloques en las generaciones más jóvenes.

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Arte,Artesanías,Cultura,Turismo

Artesanías emblemáticas de México Parte II

11 Jun , 2018  

La alfarería mexicana son solo una de las tantas actividades artesanales que se encuentran presentes en nuestro país y que se han consolidado como dignos representantes en el mundo, ya que por medio de ellos los maestros y las maestras artesanas expresan su conocimientos, cultura, tradición e historia.

Ya en un post anterior habíamos comenzado con una lista de aquellos artículos que han destacado a nivel internacional como dignos representantes de nuestra cultura y el día de hoy seguiremos hablando de ellos.

Alebrijes 

Singulares personajes, de animados colores y singulares formas, quimeras de los sueños donde todas las cosas son posibles. Ya sea figuras talladas en madera o hechas a partir de cartón, estos seres fantásticos surgieron a partir del talento y los sueños de los artesanos en el estado de Oaxaca. Aunque no esta bien esclarecido su origen ni quien fue la persona que comenzó a darles este nombre, sin duda, es una pieza que se ha vuelta la referencia no solo del estado, sino de todo el país.

Rebozo 

Al día de hoy, esta es una de las prendas por excelencia de cualquier mujer mexicana sin importar su posición económica o social. Su origen se encuentra en el estado de San Luis Potosí y desde 1764 ha estado presente en la cultura mexicana. La particularidad que tienes es la gran diversidad de usos que le ha dado la mujer: Una prenda para usar en eventos religiosos, para cargar bebés, para cubrirse del frío, como complemento a una vestimenta formal o como parte del folclor de alguna región.

En varias ocasiones ha atravesado crisis que atentaban su producción, pero organismos civiles e instituciones públicas han buscado preservar su valor artesanal y tradición.

Arte huichol

La cosmovisión de toda una cultura se materializa en las artesanías que realizan a base de hilo y chaquiras. No solo cuentan la historia y leyendas de su pueblo, también preservan su cultura, guardando en sus figuras símbolos con significado desconocido para los demás, pero no para ellos. Su arte se divide en la mitología, el maíz y el misticismo. Su creaciones para ellos no son solo una manera de expresarse, sino tambien de escribir, pues cada obra cuenta una historia o un mito.

No existe otro grupo étnico que siga conservando tan profundamente sus creencias, cultos y tradiciones como el pueblo Huichol, y sobre todo, la forma en que siguen expresándose.

Trabajo en cobre

La fuerza y el arte se combinan en esta artesanía por la que el estado de Michoacán es ampliamente reconocida. El trabajo en cobre es una tradición que los maestros han dado continuidad en las generaciones más jóvenes. Desde artículos de cocina y decoración, el trabajo es arduo y se ha preservado de generación en generación, siendo muy relevante para la región.

 

 

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¿Ya tienes tu corto para Ecofilm 2018?

7 Jun , 2018  

Si te late la ecología, tienes en tu casa instalado un calentador solar 16 tubos, paneles solares y buscas incluir en tu vida las tres R (reutilizar, reciclar, reducir) entonces te va a encantar este festival que buscar hacer conciencia ambiental por medio de cortometrajes. 

Eco Film Festival es un proyecto internacional que inicio en México desde 2011 y tenía como principal objetivo sensibilizar a la sociedad sobre la problemática ambiental por medio de la producción audiovisual. Este festival año con año abre su convocatoria para que estudiantes, directores consagrados y cualquier personas que este interesada por la producción de cortometrajes con temática ambiental pueda exponer su proyecto, e incluso participar por un premio.

Este año, la convocatoria ya salió en su página oficial y se cerrará hasta el 14 de julio y el tema del que se busca hacer conciencia es movilidad sustentable. Actualmente el proyecto se logra sostener por el interés y patrocinio de varias empresas, fundaciones. así como asociaciones públicas y privadas, como la Cineteca Nacional y Fundación Cinépolis.

Al igual que otros festivales con temática de cine, este se divide en varias categorías y se premian a los tres mejores lugares de cada una. Animación, ficción, campaña audiovisual  y documental son las categorías que se tiene contempladas en esta edición.

La convocatoria fue inagurada por la Fundación Hombre Naturaleza, la cual esta a cargo de Emmanuel Acha, quien en coferencia de prensa dijo:

“Yo quisiera que en este festival los muchachos hicieran ficción y que vieran un mundo en el  que todas las personas caminaran sin contaminantes; donde el cielo se volviera a clarear, donde tuviéramos una Ciudad de México la región más transparente”

El proyecto esta abierto al público, y al finalizar el concurso, hay un tour alrededor de la república para presentar los trabajos participantes. Los trabajos serán analizados por un jurado, quienes determinarán y harán la entrega de premios a sus respectivos autores en fechas posteriores.

Este es uno de los muchos proyectos que tratan de fomentar la cultura audiovisual en nuestro país y dar la oportunidad a nuevos talentos de darse a conocer a nivel nacional e incluso internacional.

En ediciones anteriores se han tratado otros temas, como la conservación animal, la alimentación sustentable, la biodiversidad, y las energías renovables. 

Algunos de los trabajos galardonados en años anteriores.

 

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¿Quién fue José Guadalupe Posada?

7 Jun , 2018  

 

 

 

José Guadalupe Posada fue un pintor y caricaturista de Aguascalientes, destacó en la escena de cultural y artística por sus litografías con escenas de muerte, estampas populares y caricaturas sociales, inspiradas en el folklore.

Figura destacada del panorama artístico mexicano, José Guadalupe Posada desempeñó en él tan notoria influencia que su papel podría equipararse a la trayectoria del famoso douanier francés, Henri Rousseau, y a su impacto en la evolución del arte europeo de principios del siglo XX.

En efecto, la revelación de la obra de Posada confirma su gran predicamento estético y da fe de su empeño en realizar un arte propiamente mexicano, incluso ya muchos artesanos de han dado a la tarea de fabricar calaveras de ceramica con referencia a sus obras.

Su obra abarca múltiples temas, entre los que cabría destacar las célebres “calaveras” o imágenes de ultratumba; los “desastres”, que comprenden catástrofes de tipo natural (inundaciones, epidemias, sucesos astronómicos, nacimientos de seres monstruosos), accidentes, hechos sobrenaturales, crímenes y suicidios; los “ejemplos” o lecciones morales que pueden extraerse ante la perversidad y bestialidad humanas

Asimismo, los sucesos sociales y políticos, donde sobresalen las viñetas referidas a las ejecuciones y los “corridos” revolucionarios; los milagros religiosos; la serie denominada Don Chepito, que narra las desventuras de un solterón ridículo, una especie de antihéroe; así como las imágenes captadas de la vida cotidiana con inigualable precisión e intención certera.

Guadalupe Posada fue considerado como un precursor del movimiento nacionalista en las artes plásticas por algunos de quienes lo protagonizaron: José Clemente Orozco, Diego Rivera, Francisco Díaz de León y Leopoldo Méndez.  Asimismo, en 1933, veinte años después de su muerte, fue redescubierto por el pintor Jean Charlot, quien editó sus planchas y reveló la influencia de Posada sobre artistas de las posteriores generaciones.

Gran dibujante, trabajador incansable y un gran técnico del grabado, Posada murió, tan pobre como había nacido, en Ciudad de México, en 1913. Sus restos, que nadie reclamó, fueron sepultados en una fosa común.

 

 

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Un arte poblano: La talavera

5 Jun , 2018  

Objetos mexicanos

Uno de los objetos mexicanos más hermosos y destacados de México es el que se produce en el Estado de Puebla: La talavera. Su origen se remonta a la época colonial y es una muestra del mestizaje entre la cultura del viejo mundo y la de los pobladores originales del territorio mexicano. Gracias a la calidad de la arcilla de las localidades de Atlixco y Cholula, además del tipo de acabado vítreo, los productos resultantes de la práctica pueden ostentar la famosa “denominación de origen”.

A nivel mundial, este arte es reconocido no solo por su belleza como artículo de decoración, sino por la tradición y valores culturales que involucra su producción. Es considerada como una de las artesanías mexicanas más reconocidas. Es un tipo de cerámica mayólica- una forma de decoración nacida en el renacimiento- que comenzó en Puebla alrededor del año 1550, cuando un grupo de artesanos españoles comenzaron a producir la loza estannífera, lo que posteriormente se conocería como talavera.

Combinando su oficio con las técnicas y conocimientos sobre arcillas que poseían los pueblos indígenas, este arte se consolidó y permitió que fuera ampliamente conocida por toda la Nueva España. Con una combinación de técnicas chinas, italianas, españolas e indígenas, poco a poco los talleres alfareros crearon su propio estilo, diseño y técnica de trabajo para crear las famosas piezas con colores blanco y azul.

Fue tanto su auge y crecimiento que el fueron regulados por la corona española para que la industria tuviera gremios, estándares y la calidad del producto siempre fuera la misma. Además de dejar claras las normas más básicas, como el uso de materia prima, acabados, decoración y los parámetros necesarios para evitar la falsificación.

Aunque ha tenido periodos de crisis, talleres como “La talavera de la Reyna” buscaron fomentar a su producción y que no se perdiera la esencia que por más de 400 años había permanecido en el estado, invitando a que artistas y maestro unieran esfuerzos para crear nuevos modelos, piezas y acabados decorativos que dieran una identidad moderna al trabajo en Talavera.  Cambiando así las piezas tradicionales de uso común como platos, jarrones, floreros, lavamanos y loceta por figuras decorativas como animales, flores y formas humanas.

El centro histórico de Puebla, además de otras zonas del país, se encuentran decoradas con azulejos de talavera, lo que permite ver como este trabajo fue una parte importante de la decoración y la arquitectura. El primer cuadro de la Ciudad de México tiene sus propios edificios decorados con este material, como el que alberga a la tienda Sanborns, sobre la calle Francisco I. Madero.

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Artesanías emblemáticas de México Parte I

31 May , 2018  

Nuestro país cuenta con una amplia variedad de arte que viene directamente de sus raíces: la alfarería mexicana, los alebrijes. El trabajo en plata, los tejidos. Cualquier persona del mundo sabe de donde proviene y el valor cultural que guarda cada artículo. Pero a pesar de que existen muchas, hay unas que destacan más, como el caso de las siguientes piezas que más allá de un producto de decoración, son una representación de nuestra historia y tradiciones.

Gracias al portal de México Desconocido, los usuarios tuvieron la oportunidad de elegir las artesanías más representativas dentro de la República Mexicana, obteniendo los siguientes resultados:

Sombrero de Charro

Es quizás el mayor referente de México en el mundo. Un complemento que nació para cubrir una necesidad básica y se transformó en un artículo que se formó parte de la identidad mexicana. El charro originalmente ocupaba sombreros de este tipo para protegerse del sol mientras supervisaba las labores del campo. En el siglo XIX, estos sombreros que regularmente estaban hechos de fibras comenzaron a ser modificados y poco a poco ser más elaborados para que fueran ocupados en eventos especiales y celebraciones religiosas.

Talavera Poblana

Sin duda no existe mejor muestra del mestizaje en la cultura que este tipo de arte. Es una mezcla entre la alfarería presente en las culturas mesoamericanas y el arte del vidriado y esmaltado español. La materia prima se encontró entre los valles de Puebla, por lo que fue esta ciudad quien comenzó a albergar en sus calles a los maestros loceros. Gracias a la reglamentación y el gremio que creo el Virrey a mediados del siglo XVII, fue lo que permite que ahora está artesanía pueda tener denominación de origen.

Barro negro

Oaxaca es cuna de varias de las artesanías más hermosas del país y una de ellas es su trabajo en barro negro. A pesar de que se ha trabajo en la región desde la época precolombina por zapotecos y mixtecos, es hasta la década de los años 50 cuando una artesana impulsa su trabajo en su taller de Coyotepec, cuando desarrollo una técnica para darle un acabado oscuro y brillante de sus vasijas, ollas y demás figuras.

Platería

El México prehispánico fue descrito por los españoles como una fuente de riquezas. El oro y la plata eran materiales que los aztecas sabían trabajar y tenían técnicas específicas para darles formas a estos metales. En ciudades como Zacatecas, Taxco, y otros pueblos se estableció el trabajo en plata, lugares que aún conservan su tradición y que se destacan por sus trabajos que muestran la habilidad y el detalle en el trabajo de los maestros plateros.

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Jan Svankmajer, el genio animado

29 May , 2018  

 

 

El gran Jan Svankmajer, seguramente muchos no lo conocen, pero aquí te lo voy a presentar. Él es un cineasta, animador, artista plástico y poeta checo con temática principalmente surrealista, sí todo eso. No fue a ninguna escuela de canto pero es un artista completo.

Podría resumir su arte como de libertad e ilimitada creación, siempre se ha caracterizado por ello. Su cine de bajo presupuesto pero de excelente arte, se ha rehusado e incluso critica entrar en los estándares elitistas de las empresas hollywoodenses y prefiere llegar al público bajo sus propios métodos.

Svankmajer nació en 1934 en Praga, de la recién nacida República Checa. Estudió en el Colegio de Artes Aplicadas en Praga, para después pasar al departamento de marionetas en la Academia de Artes Performativas de Praga.

La principal fuente de inspiración de Jan Švankmajer son importantes autores literarios como Lewis Carroll y Edgar Allan Poe. Y en la mayoría de sus películas emplea la técnica del stop-motion para animar muñecos, actores reales, figuras de arcilla y de plastilina, esqueletos de animales, máquinas, … con los que consigue transmitir en sus obras un clima de pesadilla que nunca deja indiferente al espectador

Su primera película, The Last Trick, fue estrenada en 1964 y desde entonces su prolífica producción tiene un legado estético que une magistralmente live-action, animación, stop-motion, dibujo, montaje, comida y barro. Su legado llega a superar las 30 producciones y actualmente a sus 83 años, después de juntar el monto necesario a través de crowdfunding para poder realizar su última película, presenta Insects.

 

Algunas de sus producciones

 

Dada la calidad visible de su filmografía surrealista, la época en que creció Svankmajer y sus inclinaciones hacia lo onírico y soñador, el director decidió ser partícipe de un experimento que se llevó acabo en un hospital militar –con LSD en 1974. La experiencia, lejos de ser esclarecedora terminó por generar terribles traumas psicológicos en el director.

Recibiendo la sustancia de manera intravenosa, según describió: “Todo se sintió placentero, conforme la droga empezó a tomar control. La primera fase fue como una regresión a la infancia, un sentimiento indefenso. Luego, llegaron los efectos estroboscópicos: cuando levanté mi brazo el movimiento se partía en imágenes estáticas, como un time-lapse, con un diferente color para cada fase”.

No obstante, a partir de ahí todo se fue para bajo, culminando con una temporal pérdida de su sanidad, atacando paranoicamente a los doctores, enfermeras y ayudantes en el hospital Stresovice, en Praga. “Desde entonces tengo inexplicables ataques de ansiedad. Por ejemplo, no podía tomar el tranvía de noche.

La penetración de realidad detrás de las ventanas del tranvía y su reflejo del interior en el vidrio me hacía sentir terrible y tenía que salir y caminar. Este cruce de realidades duales, una estática y otra dinámica, producían en mí el mismo efecto desintegrador de la realidad como la experiencia que tuve con el LSD”.

 

 

Cortometraje Meat Love 1989

 

Éste el es trailer de su más reciente largometraje titulado Insects 2018