Conciertos,Cultura,Festivales,Mariachi

¡Un festival del mariachi para agosto!

21 Jun , 2018  

¡Mariachis en DF empaquen sus maletas e instrumentos que los esperan en Jalisco! Durante el mes de agosto y comienzos de septiembre se llevará a cabo el XXV Encuentro internacional de Mariachi y la Charrería, en Guadalajara que reúne no solo a cientos de miles de personas para presenciar las presentaciones artísticas de los mejores mariachis a nivel mundial, además de eventos culturales y una demostración de habilidades sobre el caballo, con la cuerda y todo lo relacionado con la tradición charrera.

Este evento comenzó en 1994 gracias a la iniciativa del entonces presidente de la Cámara de Comercio del estado de Guadalajara, Don René Rivial León, quien en un viaje a Estados Unidos, descubrió que en Tucson Arizona un festival de mariachis llevaba celebrándose desde hacía más de 30 años. Esto le hizo proponer un festival en su tierra, que año con año ha crecido tanto que el evento ha sido nombrado por la UNESCO como “Patrimonio Inmaterial de la Humanidad”.

Este año se busca romper un nuevo record Guinness, como en otras ocasiones se ha hecho, actualmente la ciudad de Guadalajara ostenta 9, entre ellos:

  • El mayor número de mariachis tocando al unísono (dos veces)
  • El mayor número de floreadores de soga
  • El mayor número de parejas bailando con trajes típicos al son del mariachi
  • El mayor número de escaramuzas realizando suertes charras durante 10 minutos en la glorieta Minerva
  • Mayor número de personas cantando en ronda el tema “cielito Lindo”
  • La mayor concentración de Jimadores
  • El mosaico de sombreros charros más grande del mundo
  • La escultura de papel Maché más grande del mundo

El nuevo record para 2018 es el de hacer el mosaico más grande de chaquira a cargo de maestros mexicanos artesanos.

Entre los eventos más destacados se encuentran las galas de mariachi, donde se llevarán a cabo los concursos a nivel nacional e internacional; el concierto magno que ha reunido a destacados intérpretes del género y que en esta emisión contará con Alejandro Fernández. El tradicional certamen “Embajadora del Mariachi” que busca a encontrar a una digna anfitriona que represente y promueva las tradiciones de Mariachi, tequila y charrería a nivel nacional e internacional. Por último, el campeonato charro reúne a equipos de varios estados de la República Mexicana, que compiten por el trofeo. Grupos de escaramusas, floreado de lazo, montar de toro y acrobacias en el caballo son solo algunas de las exhibiciones más destacadas.

Artesanías,Cultura,Tradiciones

Barro que cobra vida

21 Jun , 2018  

En México, las figuras artesanales son la mejor forma que tienen las personas para representar su pensamiento y darle forma a sus ideas, que se componen de su cultura, cosmovisión, etc. Quizás una de las artesanías mexicanas más reconocidas en el mundo son los árboles de vida, que originalmente nacieron en el municipio de Metepec, Edo. o.De México, como una manera de adoctrinar a los indígenas de la época colonial por medio de imágenes, pero hoy día son una forma de representar nuestras tradiciones, cultura popular, etc.

Su origen se relaciona estrechamente con la tradición alfarera y las técnicas que los pueblos pre coloniales ya tenían en la región central de México. A diferencia de la cerámica que se conocía en Europa, el trabajo en cerámica no solo se usaba para la creación de artefactos de uso común, sino para crear representaciones de antiguas deidades y ornamentar con símbolos propios de cada pueblo.

Con la llegada de los españoles y su conquista, esas figuras fueron destruidas y en su lugar, los frailes encargados de evangelizar y transformar a los pueblos nativos al catolicismo vieron en la alfarería una oportunidad para fomentar el uso de símbolos, la imagen de santos y la iconografía cristiana. Retomando la idea del “árbol de la vida” representado en pinturas, se comenzó a fomentar la recreación de estos con barro. Se cree que esta tradición se origina en Izúcar de Matamoros, Puebla, de donde surgieron los primeros árboles con pasajes bíblicos como el Jardín del Edén y la expulsión de la primer pareja como castigo por sus pecados (Adán y Eva).

La tradición se extendió rápidamente hasta llegar a Metepec, lugar a donde se asocia más el árbol de la vida por la gran cantidad de talleres que se dedica exclusivamente a su producción. La función religiosa duró durante gran tiempo, en el cual las familias artesanas crearon obras relacionadas con el catolicismo: el arca el Noé, el nacimiento de Jesus, la sagrada familia, etc.

Es a medidos de la década de los 50 cuando la fabricación dejo de lado esta función y reproducción religiosa y se adentró en hacer árboles de vida temáticos, que representaban desde la primavera, los animales mexicanos, la tradición gastronómica, la catrina y la muerte. Metepec es el municipio que más ha preservado la alfarería, de tal manera que en 2009 se logró convertir a los “árboles de vida” como una marca registrada y denominación de origen para preservar su sello de calidad y autenticidad.

Los árboles de vida son tan populares que muchos artesanos han tenido la oportunidad de exponer sus trabajos en museos alrededor del mundo y grandes instituciones como el Vaticano.

Arte,Cultura

¿Cuál es el origen de “La Catrina”?

19 Jun , 2018  

Es una de las máximas representantes de nuestro país, el mundo le teme, pero nosotros buscamos cualquier cosa que tenga su forma: en una calavera de cerámica, en la ropa, en cualquier mueble u objeto de decoración e incluso, sobre nuestro rostro y en nuestras pieles. La catrina, ícono de nuestra cultura, una imagen que simboliza no solo la muerte, sino la cosmovisión y aceptación de esta para el mexicano.

Pese a esto y el profundo significado de la muerte en las costumbres y tradiciones de México, la imagen de la catrina tiene poco más de un siglo que apareció por primera vez, gracias a pintores y pensadores de la época de Benito Juárez, Sebastian Lerdo de Tejada y Porfirio Díaz. Durante sus gobiernos, el descontento de la clase media por la desigualdad del país y la preferencia de las clases privilegiadas dio paso a que muchos hicieran público su informidad y critica por medio de escritos, que utilizaban la sátira y el tono burlesco, acompañados de dibujos que representaban y apoyaban su pensamiento.

En este periodo, José Guadalupe Posada, reconocido caricaturista, ilustrador y grabador de le época, público diferentes trabajos que se caracterizaban por sus criticas sociales, la evidente desigualdad e injusticia del país durante el periodo porfirista, los cuales iban acompañados por diversos grabados de calacas o calaveras que ilustraban todo tipo de situaciones: corridos, historias de crímenes, a los políticos y la alta alcurnia de la Ciudad de México.

Así es como nace la conocida Calavera Garbancera, que era en si una representación del pueblo, en sus mejores y peores momentos. Aunque hoy se asocie más con el día de muertos, este estilo de caricatura era una representación de los famosos vendedores de garbanzo, personas humildes de origen indígena o mestizo que aparentaban ser ricos, tratando de ocultar sus raíces y remarcando fervientemente tener ascendencia europea. Por ello, los comerciantes pretendían llevar

un estilo de vida igual al de las altas casas europeas, daba como resultado que el poco dinero que tenían lo gastarán en ropa, accesorios y demás cosas en vez de invertir en alimento o sustento para ellos y su familia, teniendo un aspecto muy delgado y demacrado, similar al de un cadáver.

Posada fue una influencia y referencia para el pintor mexicano Diego Rivera, quien hasta 1947 cambia el nombre de calavera y ocupa la popular palabra que, en los pueblos, muchos trabajadores y personas de clases bajas usaban para hablar de los grandes hacendados, hombres de clase acomodada, de dinero y que, a pesar del tipo de terreno, siempre vestía ropas finas: El Catrín. Pero Rivera lo uso para hacer referencia a una mujer, por ello es que en su mural Sueño de una tarde dominical en la alameda central (Museo Mural de Diego Rivera) el ser que aparece al lado de su versión infantil y enfrente de Frida Kahlo es conocida como “La catrina”.

 

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Arte,Artesanías,Cultura

From Mexico with love: Arte Huichol

14 Jun , 2018  

“From mexico with love” o como diría una popular agrupación mexicana “de México para el mundo”. Nuestro país no solo es rico por encontrarse en una posición geográfica privilegiada que le ha permitido ser considerado como “un cuerno de la abundancia” en cuanto a productos alimenticios. Además de eso,

Entre las bellezas que más han destacado alrededor del mundo, el arte huichol es una de las tradiciones que recientemente ha acaparado la atención. La innovación combinada con las artes folklóricas del pueblo Huichol, nativos de los estados de Jalisco, Nayarit, Durango, San Luis Potosí y Zacatecas, más que una artesanía, es un arte que permite interpretar el universo por medio de símbolos y diseños.

También conocidos como wixárikas, el origen de los artistas aún no está del todo esclarecido, debido a que no sabe si son descendientes de otros pueblos como el chichimeca o tolteca, pero se acepta que su vida fue muy independiente de los grandes imperios de la época prehispánica. La preservación de su estilo de vida y creencias se debe a que, al arribo de los españoles, el pueblo emigró a la sierra para poder mantener su autonomía y evitar la conquista.

De esta manera, su cultura solo se fortaleció, creando tradiciones y medios para representar su imagen del mundo de una manera particular y única. Sus creaciones y artesanías no solo son consideradas hermosas por mexicanos y extranjeros, sino que detrás de cada composición y diseño se esconden grandes deidades y una cosmovisión que se arraiga en sus creencias religiosas.

La estética que se observa en sus trabajos, la variedad de colores y el uso constantes de tres elementos: el maíz, el venado y el peyote, no son por cuestiones azarosas, sino que son parte de sus interpretaciones de la vida cotidiana, los mitos que se han preservado en la tradición yo deidades atemporales que se representan con los elementos naturales.

El arte huichol ha traspasado las fronteras del espacio y tiempo. Hoy día, cada vez más países buscan exponer en diversos museos y recintos culturales sobre esta ancestral arte. Incluso empresas como Volkswagen han buscado involucrarse en este arte, pidiendo que artistas huicholes decoraran el exterior de uno de sus más emblemáticos vehículos.

Sin importan que tan globalizado este el mundo ni cuanta tecnología haya, de algo podemos estar seguros, los artistas huicholes seguirán protegiendo su cultura y su idea de la vida a través de las chaquira, el hilo y sus ideas.

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Arte,Cultura

Maestros del LEGO

12 Jun , 2018  

Si te apasiona armar y construir miniblocks Pokémon o de cualquier otra figura, puedes comenzar a pensar seriamente en dedicarte a este hermoso arte de manera profesional, pues, aunque no lo creas, algunas personas han demostrado que armar bloques es más que un juego o pasatiempo para niños. Estas personas son eminencias en cuanto al armado de ladrillos de plástico se trata, que ha sido capaces de recrear a escala monumentos, obras de arte e incluso esqueletos de dinosaurios.

Estos hombres ostentan el título de LEGO Certified Professionals, el cual les permite ha convertido el hobbie de muchas personas toda una profesión de tiempo completo. Hasta el momento, solo 14 personas forman esta comunidad y ninguno de ellos ha trabajo antes para la empresa LEGO, pero son reconocidos por sus habilidades, competencias y destreza para darle forma a un montón de piezas de plástico.

Dirk Denoyelle

Este hombre de origen belga se graduó como ingeniero en micro electrónica, fue un poliglota y comediante antes de dedicarse profesionalmente a la construcción de LEGO. Sus creaciones son en 2D y 3D y ha hecho desde los rostros de Chaplín, Salvador Dalí hasta reproducciones de obras de arte y rostros de famosos.

Sean Kenny

Este hombre de Estados Unidos se ha declarado ser un “niño profesional”. Pues a pesar de que anteriormente tuvo una oficina y trabajo profesional en Nueva York, sabía que ese no era su verdadera vocación. Así que lo dejo y comenzó a llevar a cabo la actividad que hacia por hobby: las creaciones con LEGO. Ahora vive de ello y entre sus obras más importantes destacan la recreación del estado de los Yankees que incluye jugadores y público a tamaño escala y mide aproximadamente 1.5m por 2m.

Nathan Sawaya

Este hombre dejo su trabajo en Nueva York para dedicarse a ser un maestro constructor a tiempo completo. Hoy es considerado un artista contemporáneo y cuenta con dos estudios para trabajar con las más de 2.5 millones de piezas de lego que tiene.

Matija Puzar

Este programador noruego ha buscado impulsar a que más personas adultas descubran y disfruten de jugar con legos, que más que una actividad para niños, son una forma de encender la creatividad. Sus obras destacan no solo por su ingenio, sino porque son capaces de tener movimiento o iluminación propia.

Jumpei Mitsui

Es el más joven de las personas que han sido certificadas por la compañía de bloques. Estudiante de la Universidad de Tokyo, además de ser un especialista en la construcción de esculturas que se relacionan con las estructuras, los animales, las animaciones y caricaturas como pikachu, es uno de los embajadores de la marca en oriente, buscando difundir la infinidad de posibilidades que existe al construir con los bloques en las generaciones más jóvenes.

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Canto,Cultura,Música

¡Que no te importe desafinar!

12 Jun , 2018  

No importa si tomas clases de canto DF o si solo lo haces mientras estas en inspirado en la ducha, cantar es una actividad que aporta muchos beneficios, aunque no lo sepas. Es una actividad que activa muchas partes del cuerpo y no solo tiene beneficios físicos, sino también psicológicos y sobre la salud, así que aleja la pena y cuando puedas échate unos buenos gallos.

Liberemos las endorfinas

El canto es una actividad que se hace por pasión, por dicha y con razón, ya que, al hacerlo, las personas secretan la hormona endorfina. Está se encarga de relajar y tiene una acción semejante a la morfina, incluso en grandes cantidades de endorfina, puede causar la euforia en las personas. Y lo mejor es que no necesitas cantar como una Prima dona de la ópera para secretar, pues lo hagas bien o mal, la acción en tu cuerpo es la misma.

La respiración nos relaja

Cantar es una acción que involucra todo nuestro sistema respiratorio para poder alcanzar las notas que cada canción tiene. Inhalar y exhalar nos permite relajar los músculos y liberar tensión, una actividad muy parecida al yoga. Ahora si podemos decir que “una canción al día te hará liberar la tensión de la rutina”.

A ejercitar el corazón

Dar un pequeño concierto con tus canciones favoritas sin interrupciones es un ejercicio que, aunque resulta fácil y ligero, fomenta al buen funcionamiento del sistema cardiovascular, esta actividad no sustituye el ejercicio físico, fomenta las mismas áreas que uno.

Espalda derecha, pecho afuera

Cantar encorvados no solo resultaría incomodo, sino que las notas y el aire simplemente no podrían circular. A la hora de dar una nota, nuestro cuerpo parece saber que debe adoptar una posición erguida de manera natural. Esto podemos transformarlo en un buen hábito y poco a poco mejorar nuestra postura y decirle adiós a los dolores de espalda.

Para la memoria

Aquí tenemos dos puntos muy importantes. Estudios relacionados con el canto han demostrado que practicarlo de forma constante (no profesional) pueden prevenir la aparición de síntomas como la demencia que aparece a edades avanzadas. Ya que el proceso que involucra el canto en el cerebro permite que este se ejercite, permitiendo que sea adaptable incluso cuando las redes neuronales empiecen a deteriorarse. Además una forma más sencilla de memorizar algo es por medio de una canción. Nuestro cerebro se apoya de la música para grabar información y que sea más difícil olvidarse de ella. Por eso, una melodía nos recuerda a alguien especial o con cierto tipo de música podemos aprender temas más precisos sin dificultad.

Artesanías,Cultura

Barro y Fuego en el Franz Mayer

12 Jun , 2018  

 

La alfarería mexicana o figuras de alfareria han estado en nuestra cultura por aproximadamente 4 mil años, en todo ese tiempo, principalmente los pueblos prehispánicos e indígenas han hecho del barro un oficio y una forma artística que resalta nuestra cultura y tradiciones, con la que intentan ganarse también el pan de cada día.

En esta ocasión el Museo Franz Mayer ubicado en el centro de la Ciudad de México, está exhibiendo una exposición llamada Barro y Fuego. El arte de la alfarería en Oaxaca en la que se encuentran alrededor de 150 objetos de alfarería provenientes de 75 familias de 35 pueblos oaxaqueños y estará disponible hasta el 17 de junio próximo.

Entre comales, jarras, vasos, cántaros y algunos esculturas, Barro y fuego nos acerca y resalta el arte de la alfarería mexicana, una práctica que, como se ha dicho, tiene miles de años de antigüedad, siglos perfeccionándose y transformándose para ser lo que es hoy.

Así, la exhibición cuenta con diagramas y otras fichas de información que explican los procesos de hechura de los objetos, el tipo de materiales que requieren, los distintos tipos de barro que se utilizan más frecuentemente, además de sus propiedades físicas, por nombrar sólo algunos.

El barro no solo es una cosa muy hermosa, es de crucial importancia, es algo que está en el ADN de los mexicanos, en el fondo de la historia de este país”, comentó Diego Mier y Terán, fundador y director ejecutivo.

La muestra, precisó, es el resultado de un trabajo de muchos años que primero desembocó en el libro “Barro y fuego” (2011), escrito por el estadunidense Eric Mindling, quien durante mucho tiempo vivió en Oaxaca relacionándose con las comunidades alfareras del estado.

“Nos interesa que los mexicanos conozcan estas obras de arte y aprendan de nuestra tradición, la cual, consideramos, es de sabiduría. Además de la belleza de las piezas, se destaca la importancia que tienen como herramientas para la vida”.

Bruñido, esmaltado, engobes y rayados son algunas de las técnicas que se utilizan en cada obra que al ser una realidad, participa en el equilibrio ambiental no solo en su elaboración, también en el uso y desecho.

 

 

 

 

Arte,Artesanías,Cultura,Turismo

Artesanías emblemáticas de México Parte II

11 Jun , 2018  

La alfarería mexicana son solo una de las tantas actividades artesanales que se encuentran presentes en nuestro país y que se han consolidado como dignos representantes en el mundo, ya que por medio de ellos los maestros y las maestras artesanas expresan su conocimientos, cultura, tradición e historia.

Ya en un post anterior habíamos comenzado con una lista de aquellos artículos que han destacado a nivel internacional como dignos representantes de nuestra cultura y el día de hoy seguiremos hablando de ellos.

Alebrijes 

Singulares personajes, de animados colores y singulares formas, quimeras de los sueños donde todas las cosas son posibles. Ya sea figuras talladas en madera o hechas a partir de cartón, estos seres fantásticos surgieron a partir del talento y los sueños de los artesanos en el estado de Oaxaca. Aunque no esta bien esclarecido su origen ni quien fue la persona que comenzó a darles este nombre, sin duda, es una pieza que se ha vuelta la referencia no solo del estado, sino de todo el país.

Rebozo 

Al día de hoy, esta es una de las prendas por excelencia de cualquier mujer mexicana sin importar su posición económica o social. Su origen se encuentra en el estado de San Luis Potosí y desde 1764 ha estado presente en la cultura mexicana. La particularidad que tienes es la gran diversidad de usos que le ha dado la mujer: Una prenda para usar en eventos religiosos, para cargar bebés, para cubrirse del frío, como complemento a una vestimenta formal o como parte del folclor de alguna región.

En varias ocasiones ha atravesado crisis que atentaban su producción, pero organismos civiles e instituciones públicas han buscado preservar su valor artesanal y tradición.

Arte huichol

La cosmovisión de toda una cultura se materializa en las artesanías que realizan a base de hilo y chaquiras. No solo cuentan la historia y leyendas de su pueblo, también preservan su cultura, guardando en sus figuras símbolos con significado desconocido para los demás, pero no para ellos. Su arte se divide en la mitología, el maíz y el misticismo. Su creaciones para ellos no son solo una manera de expresarse, sino tambien de escribir, pues cada obra cuenta una historia o un mito.

No existe otro grupo étnico que siga conservando tan profundamente sus creencias, cultos y tradiciones como el pueblo Huichol, y sobre todo, la forma en que siguen expresándose.

Trabajo en cobre

La fuerza y el arte se combinan en esta artesanía por la que el estado de Michoacán es ampliamente reconocida. El trabajo en cobre es una tradición que los maestros han dado continuidad en las generaciones más jóvenes. Desde artículos de cocina y decoración, el trabajo es arduo y se ha preservado de generación en generación, siendo muy relevante para la región.

 

 

Arte,Cine,Cortometrajes,Cultura,Festivales

¿Ya tienes tu corto para Ecofilm 2018?

7 Jun , 2018  

Si te late la ecología, tienes en tu casa instalado un calentador solar 16 tubos, paneles solares y buscas incluir en tu vida las tres R (reutilizar, reciclar, reducir) entonces te va a encantar este festival que buscar hacer conciencia ambiental por medio de cortometrajes. 

Eco Film Festival es un proyecto internacional que inicio en México desde 2011 y tenía como principal objetivo sensibilizar a la sociedad sobre la problemática ambiental por medio de la producción audiovisual. Este festival año con año abre su convocatoria para que estudiantes, directores consagrados y cualquier personas que este interesada por la producción de cortometrajes con temática ambiental pueda exponer su proyecto, e incluso participar por un premio.

Este año, la convocatoria ya salió en su página oficial y se cerrará hasta el 14 de julio y el tema del que se busca hacer conciencia es movilidad sustentable. Actualmente el proyecto se logra sostener por el interés y patrocinio de varias empresas, fundaciones. así como asociaciones públicas y privadas, como la Cineteca Nacional y Fundación Cinépolis.

Al igual que otros festivales con temática de cine, este se divide en varias categorías y se premian a los tres mejores lugares de cada una. Animación, ficción, campaña audiovisual  y documental son las categorías que se tiene contempladas en esta edición.

La convocatoria fue inagurada por la Fundación Hombre Naturaleza, la cual esta a cargo de Emmanuel Acha, quien en coferencia de prensa dijo:

“Yo quisiera que en este festival los muchachos hicieran ficción y que vieran un mundo en el  que todas las personas caminaran sin contaminantes; donde el cielo se volviera a clarear, donde tuviéramos una Ciudad de México la región más transparente”

El proyecto esta abierto al público, y al finalizar el concurso, hay un tour alrededor de la república para presentar los trabajos participantes. Los trabajos serán analizados por un jurado, quienes determinarán y harán la entrega de premios a sus respectivos autores en fechas posteriores.

Este es uno de los muchos proyectos que tratan de fomentar la cultura audiovisual en nuestro país y dar la oportunidad a nuevos talentos de darse a conocer a nivel nacional e incluso internacional.

En ediciones anteriores se han tratado otros temas, como la conservación animal, la alimentación sustentable, la biodiversidad, y las energías renovables. 

Algunos de los trabajos galardonados en años anteriores.

 

Arte,Cultura

¿Quién fue José Guadalupe Posada?

7 Jun , 2018  

 

 

 

José Guadalupe Posada fue un pintor y caricaturista de Aguascalientes, destacó en la escena de cultural y artística por sus litografías con escenas de muerte, estampas populares y caricaturas sociales, inspiradas en el folklore.

Figura destacada del panorama artístico mexicano, José Guadalupe Posada desempeñó en él tan notoria influencia que su papel podría equipararse a la trayectoria del famoso douanier francés, Henri Rousseau, y a su impacto en la evolución del arte europeo de principios del siglo XX.

En efecto, la revelación de la obra de Posada confirma su gran predicamento estético y da fe de su empeño en realizar un arte propiamente mexicano, incluso ya muchos artesanos de han dado a la tarea de fabricar calaveras de ceramica con referencia a sus obras.

Su obra abarca múltiples temas, entre los que cabría destacar las célebres “calaveras” o imágenes de ultratumba; los “desastres”, que comprenden catástrofes de tipo natural (inundaciones, epidemias, sucesos astronómicos, nacimientos de seres monstruosos), accidentes, hechos sobrenaturales, crímenes y suicidios; los “ejemplos” o lecciones morales que pueden extraerse ante la perversidad y bestialidad humanas

Asimismo, los sucesos sociales y políticos, donde sobresalen las viñetas referidas a las ejecuciones y los “corridos” revolucionarios; los milagros religiosos; la serie denominada Don Chepito, que narra las desventuras de un solterón ridículo, una especie de antihéroe; así como las imágenes captadas de la vida cotidiana con inigualable precisión e intención certera.

Guadalupe Posada fue considerado como un precursor del movimiento nacionalista en las artes plásticas por algunos de quienes lo protagonizaron: José Clemente Orozco, Diego Rivera, Francisco Díaz de León y Leopoldo Méndez.  Asimismo, en 1933, veinte años después de su muerte, fue redescubierto por el pintor Jean Charlot, quien editó sus planchas y reveló la influencia de Posada sobre artistas de las posteriores generaciones.

Gran dibujante, trabajador incansable y un gran técnico del grabado, Posada murió, tan pobre como había nacido, en Ciudad de México, en 1913. Sus restos, que nadie reclamó, fueron sepultados en una fosa común.