Arte,Claqué,Cultura,Danza

Tap…tap…tap: el inicio de un baile

9 Oct , 2018  

baile tap

Clases de tap

Si te llama la atención tomar clases de tap, o ya lo prácticas, entonces sabes que este estilo de danza, también conocido como claqué,  es uno de los pocos bailes en los que no solo se aprecia la ejecución de los pasos o su improvisación, sino el ritmo constante que es una combinación entre el ritmo del bailarín y las perscusiones de la música.  Un golpeteo característico que puede acompañarse de música o disfrutarse acapella, este baile tuvo su inicios hace poco más de un siglo y fue el resultado de una combinación cultural entre dos grupos totalmente diferentes.

El origen del tap o claqué 

Este baile comenzó a popularizarse en  Estados Unidos durante el siglo XIX,  derivado de una fusión entre la danza de suecos propia de Irlanda, la región norte de Inglaterra y escocia, que fue combinada con algunos ritmos y movimientos propios de danzas afroamericanas, caracterizadas por el movimiento libre como una expresión del cuerpo (principalmente usando manos y pies)  y la improvisación, lo que era muy empleado en sus danzas tradicionales.

Bailado en un inicio por esclavos e inmigrantes de estos países, este baile se comenzó a aceptar en la sociedad posteriormente a la guerra de secesión que se dio en Norteamérica, cuando bailarines de diversos grupos se reunían para llevar a cabo improvisadas competencias, dando a conocer sus mejores pasos y movimientos.

Así es como se pulió el tap americano, mezclando poco a poco las danzas, adaptando pasos y movimientos para dar vida a un nuevo estilo de baile. Gracias a ello, las posturas rígidas característica del baile europeo comenzaron a ser más relajadas, y el golpeteo constante producto de los suecos fue lo que, en parte, dio vida al característico sonido que hoy día es distinguido fácilmente.

La evolución del baile 

Prosperando la primera mitad del siglo XX, el tap se extendió a lo largo del país, siendo adoptado en zonas de urbanidad, como Broadway, especialmente para sus presentaciones. Los espectáculos tenían la tendencia a incluir al menos un baile de tap como parte de las presentaciones diarias, en cada ciudad del país había al menos un grupo de aficionados que se dedicaran a ejecutar improvisadas coreografías en las calles.

Por un tiempo, la danza tap fue acompañada y estrechamente relacionado con el jazz, entre otras cosas por el ritmo de las percusiones, además de la tendencia a improvisar de repente movimientos para dar paso al ritmo de los pies.

Durante los 30, 40 y 50 el baile acaparo varias áreas del entretenimiento: televisión, películas, presentaciones en vivo. De hecho, los gran parte de la ola de musicales que se dio en la pantalla grande estaban enfocadas en este estilo de baile. Sin embargo, con la llegada de otros ritmos, entre los cuales se destaca el Rock and roll, la popularidad de este baile fue decayendo, aunque sigue considerándose uno de los estilos de baile más características de Estados Unidos.

Cultura,Danza,Música,Rock and roll

Rock and Roll: más allá de un género musical

20 Sep , 2018  

clases de rock and roll cdmx

Clases de rock and roll cdmx

Aunque para nosotros es normal ahora ver en las academias de baile clases de rock and roll en la CDMX y actualmente es uno de los ritmos de baile más famosos del mundo, en su momento, este estilo de baile, igual que otros, fue considerado un “atentado contra la moral y las buenas costumbres” de su época.

El día de hoy queremos darte un recorrido por el tiempo, para hablarte de este singular estilo donde los pies se mueven y el cuerpo se sacude al ritmo de la guitarra y la batería.

¿Cómo surgió el Rock and Roll? 

De origen norteamericano, este estilo de baile nació y se consolidó en la década de los 50. Durante los primeros años de la postguerra, las nuevas generaciones se vieron sacudidas por la introducción de un ritmo diferente, el cual buscaba ser una forma de expresarse y diferenciarse de otras generaciones, que habían sufrido diferentes acontecimientos de relevancia.

De esta manera, los grupos más jóvenes comenzaron a realizar combinaciones de ritmos, principalmente el rhythm y el blues, incorporando otros elementos propios de la música country, dando como resultado de esta extraña combinación un ritmo muy característico, que rápidamente fue aceptado entre los jóvenes de las diferentes razas del pueblo norteamericano.

Debido al ritmo y la velocidad, el rock era un sonido que incitaba a moverse y bailar, algo que los jóvenes decidieron aprovechar como una forma de distanciarse de la generación de sus padres y abuelos, quienes en su momento habían experimentado con otros géneros musicales. Otra idea que buscan reprimir con su nueva forma de expresión cultural era la represión sexual que todavía se vivía dentro de la recatada sociedad americana, un punto de ruptura fundamental que hizo posible que el rock and roll fuera tachado de un “baile prohibido por su obsenidad y exhibicionismo”.

El estilo de baile

Adoptando pasos propios de ritmos como boogie-woogie, jitterbug y jive, cambiaron un algunos pasos para poder hacerlos “abiertamente sexuales”. En este sentido, no existían reglas establecidas para los pasos o movimientos entre las parejas, ya que estas decidían como se movían.

Muchos de los movimientos incluían roces de los cuerpos en “áreas inadecuadas” además de que en algunos casos llegaban a simular posiciones comprometedoras. Era común que la velocidad o los pasos tuvieran como consecuencia que las faldas de las mujeres se alzarán mostrando gran parte de sus muslo o en ocasiones el inicio de la ropa interior.

El rock and roll fue la forma que tuvieron las generaciones de los años 50 para rebelarse contra los estrictos protocolos con los que habían sido educados hasta el momento, todos retomados de la época victoriana. La idea era tener un baile divertido, exuberante, informal y que rompiera por completo con la seriedad que se habían impuesto en la sociedad hasta ese momento.

Elvis Presley,  uno de los máximos exponentes del género 

Cine,Cultura,Mariachi

¿Sabes quién era el “Charro cantor”?

12 Sep , 2018  

servicio de mariachi

Servicio de mariachi

Su inconfundible voy a inspirado a cientos de cantantes del género, existen imitadores que buscan ofrecer un servicio de mariachi interpretando el repertorio que en algún momento lo hizo famoso a él. Compartió créditos en el cine con personajes como Maria Felíx y Pedro Infante, sin duda Jorge Negrete es uno de los más grandes charros de la época del cine del oro mexicano, sin embargo ¿Qué conoces de él?

Su nombre real es Jorge Alberto Negrete Moreno y este nació el 30 de noviembre de 1911 en Guanajuato, México. Hijo del general David Negrete y Emilia Moreno, su gusto por la música se dio paralelo a otros estudios. Con 16 años, ingresó al Colegio Militar, en donde pronto se graduó como teniente de administración y continuando con un ascenso y una residencia para estudios militares en París y Roma. Mientras se dedicaba a sus labores en el campo militar que parecerían augurarle un buen futuro, estudiaba canto por el maestro José Pierson.

Se dio a conocer por primera vez a través de la radiodifusora XETR, cantando en vivo igual que otros compositores y artistas del momento. Al año siguiente se presentó en la XEW, famosa por lanzar al estrellato a varios personajes de aquellos años. Su carrera comenzó a crecer de manera vertiginosa y acelerada, pues en menos de dos años ya había interpretado ópera bajo el seudónimo de Alberto Moreno, además de presentarse en varias radios y llevar a cabo entrevistas para las revistas con temática musical, Negrete dio su salto definitivo a la fama dentro de los escenarios estadounidense, presentándose en grandes teatros que de inmediato hicieron crecer su carrera y consolidándose como una de las mejores voces de México.

Tuvo muchas presentaciones en Nueva York y fue durante su estadía en la unión americana donde comenzó a incursionar en las películas. Ya en ocasiones había pedido licencias entre sus presentaciones para acudir a grabaciones, pero hasta 1938 y cuando regresa a México con el productor Jesús Grovas para grabar “Huapango” es cuando se queda en la capital mexicana por una temporada para hacer otros trabajos, como “La Valentina”, “Caminos del ayer”, “perjura”, “El Fanfarrón”, “Juan sin miedo”, “Juntos pero no revueltos” y “El cementerio de las águilas”.

No solo fue conocido por su particular forma de cantar e interpretar acompañado del mariachi la música mexicana, lo que le valió el apodo de “el charro cantor”, sino por sus múltiples relaciones sentimentales con personajes conocidos de la época, entre los que destacan Gloría Marin, María Félix.

Su fallecimiento tiene como fecha el 5 de diciembre de diciembre de 1953, como consecuencia de una cirrosis hepática.

Cultura,Mariachi,Música

El rey del bolero ranchero

6 Sep , 2018  

mariachis 24 horas

Mariachis 24 horas

Los mariachis 24 horas se saben sus canciones así como grandes artistas han hecho homenajes a este hombre de voz aterciopelada y melancólica. De ser un hombre que solo concursaba en pequeñas competencias locales llegó a cantar en palenques y grabar muchos filmes que le permitieron llegar al extranjero. Javier Solís, que dejo a su paso todo un legado el cual lo ha llevado a posicionarse como uno de los máximos representantes de la música mexicana.

Antes de adoptar el nombre con el que el mundo lo conoció, la historia de este hombre empezó mucho antes, en la Ciudad de México en la década de los 30. Nacido en el seno de una familia humilde y criado por sus tíos, desde pequeño afrontó carencias económicas en casa, lo que lo llevo a dejar la escuela y buscar un sustento para apoyar a la familia que lo había acogido. Entre los oficios que ejerció durante su niñez y juventud están los de panadero, cargador de alimentos, lavador de autos, carnicero. recolector son solo algunos.

Sin embargo, la música estuvo presente en su crecimiento y de vez en cuando, se daba la oportunidad de participar en concursos para aficionados e interpretando tangos en lugares públicos, adoptando aquí su primer nombre artístico: Javier Luquín.

Después de ganar algunos eventos de manera local, el dueño de una carnicería en donde trabajaba decidió apoyarlo para que creciera más en la música y le pago clases de canto profesional. Así, comenzó a actuar en restaurantes y formó parte de dos grupos musicales, en donde poco a poco desarrollo su interpretación como solista del género ranchero.

Gracias a la recomendación del vocalista principal del trío “Los panchos” Javier Solís (su nombre definitivo) fue contratado en 1956 por la disquera Columbia de México, el cual catapultó su carrera de manera estrepitosa: según registros, en 10 años de trabajo no solo grabó un total de 379 canciones, sino que fue protagonista de al menos 33 películas. Con ello, se dio a conocer a otros países de latinoamerica y Estados Unidos, en donde llevó a cabo giras. Su capacidad de combinar el bolero con la música ranchera le dio la fama mundial y el sobrenombre del “el rey del bolero ranchero”. 

Sin embargo, como muchos grandes, falleció demasiado pronto, con la edad de 52 años, el 19 de abril de 1966 fue declarado como muerto mientras se encontraba internado en un hospital de la Colonia Roma, aunque la versión oficial  declara que su fallecimiento fue a raíz de un problema que se presente después de somenterse a una colecistectomía, múltiples teorías han producido al menos 4 versiones de la causas de su deceso.

Cultura,Danza

De Cuba para el mundo: Bailes que quizás no conocías

14 Ago , 2018  

Si quieres acudir a una academia de baile cubano te recomiendo que antes de tomar tu primera clase, te cerciores de que en realidad es el tipo de baile que quieres aprender, pues en este país se han desarrollado distintas formas de mover el cuerpo, muchos de los cuales han sido popularizados en gran parte del mundo como parte de los bailes con ritmos latinos y bailes de salón. Si no los conocías, dales un vistazo y ve cual es el que más te gusta.

Guaguancó cubano

El guaguancó esta muy presente en la música latina y en cada región se ha desarrollado de diferente manera. En realidad este ritmo es un tipo de rumba y es uno de los bailes que más popularidad ha tenido fuera de Cuba. El baile tiene un solo objetivo: seducir y conquistar. A partir de movimientos de pelvis, el hombre busca atraer a la mujer en un sensual baile, mientras que ella resiste sus avances y contraataca con un baile más sutil. El movimiento de pelvis a sido retomado para otros bailes latinos.

Son Cubano 

Este baile quizás es el que más influencia ha tenido en los bailes latinos. De hecho, a partir del Son, el mambo vio por primera vez la luz, es el fundamento básico de la salsa y el el bolero se vuelve bailable gracias a su influencia.

Este ritmo resulta de la combinación de las tradiciones musicales africanas de Bantú con las tradiciones musicales españolas. A principios del siglo XX, este ritmo era considerado un género exclusivo de las clases marginadas, como trabajadores y afrocubanos. Sin embargo, en la década de los 30 se popularizó entre las esferas de élite de la isla.

Mambo 

Fue de los primeros bailes cubanos que salió del país y rápidamente alcanzó fama mundial. Se desarrolló en la década de los años 30 y para los 40 y 50, el baile ya era conocido por todo México, Estados Unidos, Latinoamérica y países de Europa. En México, por ejemplo, había salones de bailes que se solo se dedicaban a interpretar esta música para que la gente asistiera a disfrutar de los sonidos rápidos y diferentes. Muchas de las películas de la época se caracterizaron por personajes femeninos que bailaban este tipo de música.  Gracias a la influencia de personajes como Pérez Prado, quien fue uno de los músicos que trajo en ritmo a tierras mexicanas, se desarrollo un baile (individual o en pareja) que se caracterizaba por un frenesí de movimientos, con movimientos libres, pero algunos pasos algo complicados. Eso si, siempre combinando movimientos de hombres y caderas.

Artesanías,Cultura,Tradiciones

Plagio de la artesanía mexicana

31 Jul , 2018  

Si asistes a un lugar turístico o incluso en la propia Ciudad es común encontrar en una tienda de artesanías mexicanas prendas de ropa bordadas de diferentes comunidades indígenas. Es común, ya que se busca fomentar la compra del trabajo de cientos de manos artesanas. Sin embargo, que una tienda en San Diego, California, se presente un diseño típico de la comunidad oaxaqueña de Santa María Tlahuitoltepec, presentándose como parte de la colección de una diseñadora francesa, eso si es más que extraño.

Este incidente ocurrió en 2015, cuando la cantante Susana Harp denunció a través de las redes sociales lo que había encontrado. Rápidamente la información se hizo viral y se acusó a la marca Isabel Marant de haber cometido plagio, aunque posteriormente la diseñadora en persona dijo que no había pretendido adueñarse del diseño y que, efectivamente, lo había retomado de dicha comunidad.

Pero resulta que este no es el único caso que se ha presentado, pue en algún momento determinado, muchas marcas reconocidas incluso a nivel internacional han cometido plagio e incluso se han adueñado de diseños y trabajos elaborados por las comunidades indígenas de nuestro país. Una tradición local que más allá de combinar imágenes y colores, son una representación de las diversas tradiciones que se han cultivado y conservado a través de la historia, con un precio invaluable. El textil, más que una indumentaria para vestir, se ha tratado como un trabajo artesanal que guarda entre sus simbolos, líneas y figuras un “pedacito del alma”, tanto del maestro artesano como de su cultura.

Desde 2012 se han detectado casos de plagios de diseños textiles en diferentes marcas: Mara Hoffman. Madewell, Zara, Rapsodia, Intropia, Mango, Antik Batik e incluso Nike son algunas de las marcas que se han visto envueltas en problemas por presentar en sus prendas bordados, patrones, materiales y brocados que son utilizados por la comunidad que los elaboró para representar su cosmovisión y la cultura que aún se preserva en sus pueblos.

A pesar de que en muchos casos, se ha buscado proceder legalmente y crear una barrera que permita proteger las piezas de cada artesano, existen muchos inconvenientes para poder crear una protección legal contra las personas que siguen robándose el trabajo de las manos artesanas. 

Sin embargo, la gente no descansa, y así como las personas que conocen el trabajo de la comunidad hacen denuncias públicas del plagio y otras más se organizan en colectivos para proteger lo más que puedan sus creaciones y darlos a conocer al mundo desde su origen.

Arte,Artesanías,Cultura

Un maestro creando arte mexicana

26 Jul , 2018  

En nuestro país existen manos artesanas que han sido las encargadas de darle vida a hermosas creaciones que se distinguen por su originalidad, delicadeza, detalle y el trabajo en distintos materiales, actualmente uno de los más destacados es el maestro Jesús Guerrero Santos, quien, gracias a su dedicación con la plata y la cerámica, ha sido creador de artículos dignas de exposiciones en prestigiosos museos y ha traspasado fronteras, llegando incluso manos de la nobleza.

Nacido en Jalisco y siendo hijo de una familia numerosa y orgullosa de su cultura, nunca tuvo problemas para amar aquello que lo identificaba como mexicano. Su educación y libertad para conocer todo tipo de cosas le permitió estudiar un poco de arquitectura, una carrera sacerdotal, graduarse en ciencias de la comunicación y desarrollarse en el ámbito humano, especialmente en el cine, antes de encontrar su verdadera vocación: la artesanía.

Con ayuda del barro, la alpaca, la plata y demás elementos de la tierra, Don Jesús, como es conocido por muchos, es capaz de crear piezas de ornamentación únicas, caracterizadas por mostrar la influencia de artículos del renacimiento italiano y el barroco español, pero dándole un toque más personal, adornando los objetos con colores, paisajes y símbolos religiosos propios de la historia de nuestro país. Un reconocimiento a lo mexicano, que, a su parecer, busca ser atemporal y darle vida a nuestra tradición artesanal, agregando un toque sofisticado y diferente.

Su dedicación le ha permitido abrir un taller donde impulsa a otras manos mexicanas a darle vida a sus creaciones, además de seguir diseñando y trabajando en sus propios proyectos. El reconocimiento que poco a poco se ha ganado este maestro artesano le ha permitido viajar a otros lugares para exponer su obra, tanto dentro como fuera del país, cómo en España e incluso varias veces se ha encontrado en el Vaticano presentando todo tipo de imágenes religiosas. Don Jesús fue el responsable de los regalos para mandatarios de habla hispana en una cumbre llevada a cabo en Guadalajara. Obama, Varotti, Juan Pablo II y Benedicto VXI son algunos de los personajes que han recibido obsequios creados por él.

Algunas de sus piezas más destacadas son:

  • Un relicario de cerámica, alpaca y cristal canonizado en Roma por contener los restos de 25 mártires mexicanos
  • La decoración del árbol de navidad para el Vaticano en 2007, utilizando para ello piezas de cerámica y vidrio soplado pintado a mano que el mismo realizó.

Su trabajo se ha expuesto en distintos lugares: El Museo Franz Meyer, en la Ciudad de México es uno de los más conocidos.

Artesanías,Cerámica,Cultura

¿Quién es Juan Quezada Celado?

24 Jul , 2018  

La cerámica artesanal de Mata Ortiz actualmente uno de los objetos mexicanos más reconocidos del mundo. Su belleza en el diseño se debe en parte a que, en un inicio, las formas fueron retomadas de los trabajos en la cultura prehispánica de Paquimé o Casa Grandes, un grupo que se instauró en lo que se conoció como Oasisamérica. El trabajo ha permitido que una pequeña comunidad se transformará de un centro agrícola a un pueblo mágico, siendo su producción artesanal uno de los principales atractivos turísticos, que ha llamado la atención de nacionales y extranjeros. Curiosamente, esta tradición tiene menos de un siglo de su existencia, y todo se debe gracias a un maestro alfarero y su curiosidad por trabajar la tierra para algo más que la producción de alimentos.

Juan Quezada Celado fue el pionero que comenzó la producción de este tipo de cerámica, un hombre que dio una identidad cultural a todo un pueblo y ha tenido reconocimiento a nivel mundial. Cuando Juan tenía apenas 14 años, solía recorrer la montaña para recoger leña que utilizaba en su casa, fue en ese momento cuando el primero contacto con la cultura Paquimé, o su legado, ya que encontró en una cueva que tenía cerámica original de este pueblo desaparecido hace tiempo. Su fascinación por el trabajo fue tal, que, sin conocimientos sobre alfarería o trabajo en barro, se propuso hacer una reproducción de los objetos que había encontrado.

Gracias a ello, trabajo para desarrollar una técnica que utilizará la arena fina como ingrediente, sin saber que su técnica era la que 600 años atrás usaba la cultura para crear sus singulares piezas. Aunque al principio nadie parecía interesado en su trabajo, el siguió trabajando y refinando su estilo, vendiendo a comerciantes del pueblo sus trabajos, que, a su vez, vendían cuando asistían a ferias o mercados a otras regiones del país e incluso Estados Unidos. Gracias al antropólogo Spencer MacCallum, quien descubrió sus piezas en una tienda de segunda mano, pudo dar a conocer poco a poco su trabajo a nivel internacional.

Actualmente, el legado de este hombre incluye que más de 300 familias en su comunidad se dedican al diseño y trabajo en Alfarería, además de promover el arte popular. Cuenta con el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Artes y Tradiciones Populares, reconocimientos por parte del estado de Chihuahua y su trabajo ha sido merecedor de exposiciones en el Museo de hombre en San Diego y el Museo Franz Mayer en la Ciudad de México.

Artesanías,Cultura,Oficios

Tres oficios que han dado belleza a nuestro país

24 Jul , 2018  

Una tienda de artesanías mexicanas guarda en sus estantes no solo figuras y bordados que en algún momento serán el decorado perfecto para la sala de estar, el comedor, una habitación o en el recibidor de una gran empresa, tras bambalinas se encuentra manos de artesanos y maestros que han desarrollado su oficio para dar vida a sus creaciones. Es por ello, que como un reconocimiento a su labor, haremos mención de algunos de los oficios que existen en nuestro país y en que consiste cada uno.

Alfarería

Si bien es cierto que solo ciertas manos pueden crear esculturas del mármol, también se debe de decir que solo un artista es capaz de transformar la tierra y el agua en todo tipo de objetos de decoración, así como de uso común. Trabajar el barro es un arte que desde norte a sur se ha desarrollado, cada región perfeccionando sus técnicas, piezas y caracterizando sus trabajos, permitiendo en algunos casos que la denominación de origen sea posible. Así se distingue que las vasijas con intricados diseños de geometría en colores claros, negro y marrones pertenece a Mata Ortiz, en la región norte de México mientras que las cazuelas de barro verde y los fruteros de barro negro son procedentes del maravilloso estado de Oaxaca.

Orfebrería

Antes de la llegada de los españoles a costas mexicanas, la gente de la época prehispánica ya adornaba su cuerpo con plumas, tatuajes, pintura y sobre todo joyas. Actualmente, el metal que se trabaja más en nuestro país es la plata, pues seguimos siendo uno de los principales productores del mundo. Sin embargo, también se realza el trabajo en otros metales, como el oro y el bronce. Además de las piezas usuales para adornar el cuerpo como aretes, pulseras, gargantillas y collares, también se han trabajado trabajos de decoración como candelabros, teteras, bandejas y espejos.

Textiles

Técnicas que se preservan desde la época prehispánica, así como técnicas que surgieron con el mestizaje de dos culturas, sin duda alguna los textiles en México son conocidos no solo por la variedad de colores y formas que pueden llegar a ornamentar una prenda, sino por su producción y la importancia histórica que llega a tener, prueba de ellos tenemos dos prendas singulares que han sido exclusivas para el uso de mujeres: el rebozo, que sin importan posición social toda mujer mexicana ha tenido al menos uno, y el huipil, de mil colores y bordados que tienen un significado y belleza tan profundo que en más de una ocasión se ha hablado de plagio por parte de distinguidas marcas de diseño de modas.

 

Artesanías,Cultura

Muñecas mexicanas: Parte II

17 Jul , 2018  

Los objetos mexicanos son conocidos por su singularidad y belleza, cuestiones que le han dotado de popularidad tanto dentro como fuera del país. En especial, las muñecas artesanales, elaboradas con diferentes materiales, han preservado y rescatado las tradiciones de las comunidades indígenas del país que pueden ocuparse como un juguete, o un hermoso artículo de decoración. Anteriormente habíamos hecho un listado de algunas de las las muñecas más populares, y en esta ocasión, continuaremos con esa primera parte.

Las muñecas tarahumaras o raramuri

Estas muñecas fabricadas con madera y tela, son quizás uno de los juguetes que siguen ocupándose para la preservación de tradiciones y conocimientos de una comunidad que habita la Sierra Tarahumara. Otro de los materiales que suele utilizar son el trapo, creando bellas piezas vestidas con su indumentaria tradicional. La sencillez de su trabajo y lo llamativo de sus colores han hecho posible que sean consideradas una artesanía para personas ajenas al pueblo de los pies ligeros. 

Muñequita chiapaneca 

Hechas con tela y rellenas de algodón, estás pequeñas muñequitas son populares por sus detalles en la hechura. Los pueblos indígenas de tseltales y tzotziles suelen usarlos como adornos, pero a últimas fechas las han agregado a objetos como diademas y llaveros para captar la atención de turistas mexicanos y extranjeros. Igual que en Guatemala, a estas muñecas también las llaman quitapenas, pues se dice que si tu le susurras tus problemas, miedos, aflicciones y penas, la muñecas las absorbe e incluso, las puede revertir.

Muñeca triqui 

Elaboradas con tela y cabello de estamble, estás muñecas son hechas por la comunidad para sus hijos y como una forma de comerciar y obtener recursos económicos. Siempre ataviadas con la el vestido rojo tradicional de las mujeres de este pueblo indígena originario de Oaxaca, cuidan cada detalle, llevando collares y hasta cestas de mimbre tejidas.

Las tradicionales Catrinas de Capula 

Inspiradas en el legado prehispánico sobre la concepción de la muerte y retomando la imagen que el caricaturista José Guadalupe Posada hizo de ella, una de las imágenes más representativas de la revolución paso del papel al barro y el pastillaje, convirtiéndose en una de las esculturas típicas del Estado De Michoacán. Siempre ataviada con sus mejores ropas, exuberantes sombreros y accesorios típicos de las esferas sociales de finales del siglo XIX en México. Estas catrinas y catrines además de ser una hermosa decoración, son una prueba de nuestra historia y quizás una de las mejores artesanías que representa todo lo que el mexicano es, pasado, presente y futuro.