Baile,Cultura,Danza

Danza Jazz, un poco de sus orígenes

30 Oct , 2018  

Clases de jazz df

Si te ha surgido la curiosidad de tomar clases de jazz o has visto alguna presentación de este estilo de baile, quizás te percataste de que este tipo de danza es muy diferente a otras. Este estilo no se distingue exactamente por la uniformidad de los pasos y movimientos, que en algunos casos se podría decir que no tienen relación uno con otros.

Esto se debe principalmente a que el jazz en realidad es una clasificación que se emplea en la danza para señalar una gran variedad de estilos de bailes. Aunque mucha gente considere que la danza jazz tiene poco tiempo, en realidad su origen ya sobrepasa el medio siglo y el día de hoy te hablaremos un poco sobre ello.

¿Dónde se originó?

La danza jazz, también llamada erróneamente “danza moderna” comenzó a desarrollarse en Estados Unidos en la década de los años 50, sin embargo, se considera que desde 1917 el estilo empezó a nacer, con un origen en las danzas africanas que comenzaron como una forma de expresión ante la esclavitud y represión de la época.

La gente común buscaba de esta forma preservar sus raíces. Sin embargo, poco a poco este sentido se fue diluyendo, y muchas personas anglosajonas comenzaron a adoptar movimientos para expresarse en eventos culturales, como bailes sociales o representaciones teatrales.

Con el nacimiento de diferentes estilos de baile a través de las décadas (como el tango de Argentina) se fue buscando desarrolla de otra manera esta estilo de baile, de tal manera que muchos profesionales adoptaron movimientos propios de la danza clásica, la danza contemporánea y el tap.  Muchas de estas acciones permitió que la danza se popularizara de manera rápida a mediados del siglo XX, no solo en los grupos afroamericanos, sino entre todas las clases sociales.

¿Cómo fue evolucionando?

Al principio, el tap era el baile que se consideraba “jazz”, debido a que era el principal de la época, sin embargo, esta palabra podía emplearse para otras danza como: Charleston, Jitterbug o Boogie Wooogie.

Antes de comenzar la década de los 60, personajes como Katherine Dunham incorporaron a la danza movimientos propios de danzas tradicionales del Caribe, y de esta manera, el Jazz tuvo su catapulta para ser difundido a nivel mundial. Una segunda evolución se dio cuando el teatro musical retomó el estilo de baile para sus producciones, así, Broadway se lleno de pasos de bailes con puestas como Chicago, Cabaret, the pajama game, y Bob Fosse, que alejaron completamente el estilo de su inicio “tap”.

Actualmente el termino es utilizado tanto en las coreogreafías que se emplean tanto en el teatro musical como para la intepretación de la música actual.

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Música

¿Qué es la música?

30 Oct , 2018  

academia musica

Academia de música

El origen de la palabra música nos transporta al latín “música” y este al griego “monsike” (el arte de las musas), que se refería a la educación del espíritu que se encontraba bajo la tutela de las musas de las artes, historia que conocerás cunado ingreses a la academia de música.

Los sonidos musicales son producidos por algunos procesos físicos que tienen un carácter periódico una cuerda vibrando, el aire en el interior de un instrumento de viento, etc. Aun siendo muy diferentes entre ellos, estos procesos pueden ser descritos con un mismo modelo matemático.

Según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía, el ritmo y el timbre, mediante la intervención de complejos procesos psicoanímicos.

La característica más fundamental de esos sonidos es su “altura” o frecuencia. Imaginémonos una cuerda que al ser tocada vibra, dando oscilaciones en las proximidades de su posición de reposo o equilibrio. Cuanto más oscilaciones da en un período de tiempo, más alta será la frecuencia del sonido producido, y más aguda o “alta” será la nota musical resultante.

En la música, las frecuencias absolutas no son tan importantes, como sí lo son las relaciones de frecuencia entre diferentes sonidos, las cuales denominaremos intervalos o distancias. Una melodía puede ser tocada con instrumentos de sonido grave o agudo, o en diferentes “octavas”, sin dejar de ser la misma melodía, siempre y cuando las distancias entre las notas sean preservadas.

El oído humano tiene una construcción tal que los sonidos cuyas frecuencias están en la proporción simple, suenan juntos de una manera agradable. Por otro lado, casi todos los procesos físicos que producen sonidos producen también armónicas, lo que quiere decir que las frecuencias que son cantidades anteras ascendentes como 1, 2, 3, 4 … El conjunto de armónicas constituye el timbre que es único para cada instrumento musical.

Hay que tener bien presente que un músico busca que el oyente tenga algún tipo de sensación a la hora de escuchar su composición, ritmo y armonía, mediante elementos como instrumentos, voz, etc. Este tipo de creación se utiliza para estimular la percepción humana o buscar entretenimiento mientras se disfruta de la melodía.

 

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Música,Tradiciones

¿Qué es la música norteña?

30 Oct , 2018  

norteños df

Norteños DF

La música norteña es un género de música mexicana relacionada con polka y corridos. El acordeón y el bajo sexto son los instrumentos más característicos de la música norteña, este género es popular tanto en México como en Estado Unidos, por supuesto, dentro de la comunidad México-americana pero ha llegado hasta Chile y Colombia.

Las estaciones locales de radio han continuado siendo una influencia importante en la popularización del género norteño, pero seguramente también te preguntarás ¿qué es un conjunto norteño? Y se trata de un conjunto floklórico que consiste en una instrumentación de acordeón de bajo y sexto con adición de contrabajo, también incluye tarola y ocasionalmente saxofón.

La música de conjunto norteño DF fue generada a finales del siglo XIX por la tendencia migratoria de trabajadores europeos provenientes de la zona escandinava bretona e italiana que se fueron estableciendo en la zona sureste de México, exclusivamente al norte de Tamaulipas, Nuevo León y Texas.

Chihuahua, Sonora, Baja California, Coahuila, Durango y San Luis Potosí, llegó en los años cincuenta igual que a todo el país gracias a la Radio. La datación del origen de la música norteña se basa en la hipótesis reforzada por los datos registrados que se constituyen en el desarrollo del acordeón tal y como se conoce.

Ya como instrumento tradicional musical dentro del género; Pues a mediados de 1880 aparece el acordeón de doble botonadura, (una para ambas manos) que es el instrumento insigne y que caracteriza principalmente a la música norteña.

Dentro de su repertorio se pueden encontrar formas musicales cantadas e instrumentales que provienen tanto de la tradición musical mexicana ranchera, corrido, bolero norteño, huapango, como de la europea del siglo XIX (polca, chotis, redova) y la Cumbia mexicana. Esta dio origen a una fusión musical llamada Cumbia norteña mexicana uno de los grupos quien popularizó esta cumbia.

Algunos de los artistas más populares de la música norteña incluyen a:

  • Ramón Ayala “el rey del acordeón”
  • Los Alegres de Terán
  • Carlos y José
  • Los Tigres del Norte
  • Los Tucanes de Tijuana
  • Los Cadetes de Linares
  • Grupo Límite
  • Grupo Pesado
  • Los Rieleros del Norte

Sociología de la música norteña

El doctor en sociología e investigador del Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social en Monterrey, José Juan Olvera Gudiño, en su estudio Música norteña, radio y migración define a los grupos norteños y el género en sí, como aquél que posee acordeón y bajo sexto como instrumentos principales.

Asimismo, los elementos como la narrativa, la música y asegura que esa narrativa es una peculiaridad que le ha valido el sinónimo conceptual de “canciones rancheras”. Dentro de este género confluyen corrientes culturales europeas e hispanas, así como la propia evolución generada por el desarrollo de la cultura mexicana, alimentándose de la lírica popular.

Por ejemplo, el corrido es una evolución del romance español y despliega temáticas rurales, hazañas de héroes y experiencias en la franja fronteriza. Una de las canciones más populares del género pertenece a Antonio Aguilar con su canción Cuatro Milpas que describe su tristeza por el despojo de una propiedad rural.

El término “norteñización musical” se trata del seguimiento en distintas regiones del país de modelos culturales desarrollados en los diferentes nortes de México, al respecto de prácticas y significados alrededor de la música popular, ya sea en la interpretación, el baile o la indumentaria.

Aunque su nombre sugiere un origen y una pertenencia, la música norteña puede escucharse en el centro y sur del país, sin importar del todo que gran parte de la narrativa o de los elementos que rodean el género sean del norte del país.

El termino de “norteñización musical”, busca explicar cuál es la razón de que en Yucatán, por poner un ejemplo, se escucha música norteña, mientras que en el norte no se conoce cuál es la música yucateca.

En los últimos 70 años, se incrementó la movilidad hacia el norte, principalmente por cuestiones económicas. Aunque también hay jóvenes que quieren conocer, viajar y les llama la atención lo que escuchan. Además, la industrialización acelerada atrajo a personas de todas las regiones de México.

El sociólogo asegura que las estaciones de radio, especialmente las que tienen más potencia, se han encargado de gestionar la nostalgia del migrante, cantándoles sobre México y sobre sus lugares de origen. Reproducen música mexicana, mandan saludos a los estados de donde son y ofrecen mensajes sobre familiares.

Además, aseguró que en la construcción social de una región, específicamente la del norte, la radio ayudó a dar significado a ciertos símbolos característicos del espacio geográfico.

 

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Cultura,Tradiciones

Una flor única para los difuntos

25 Oct , 2018  

Florerias en df

Con noviembre a la vuelta de la esquina, probablemente en la mayoría de las florerías en el DF, así como en toda la República mexicana una de las flores más solicitadas será el cempasúchil, una flor que desde tiempos previo a la llegada de los españoles ha sido una digna representante de las tradiciones para consagrar a las personas y seres queridos que ya no se encuentran entre nosotros.

Símbolo inconfundible del día de los muertos en México, su nombre proviene del náhuatl, donde se le nombraba cempohualxochitl, que quiere decir flor de los 20 pétalos o “de muchas flores”, y esto se debe a la forma que tiene, donde sus pétalos nacen en todas las direcciones y tamaños.

Esta flor, que se da especialmente después de la época de lluvia, fue empleada desde la épocas de los mexicas para ornamentar altares, ofrendas y entierros de sus muertos, no solo por el aroma, sino por su distinguido color anaranjado. Aún con la llegada de los españoles, está tradición siguió practicándose, por lo que la religión católica decidió incluirlas en sus costumbres y hacerla parte de su doctrina católica.

Hasta el momento, la flor de cempasúchil, el pan de muerto y las calaveritas de azúcar son considerados elementos fundamentales dentro de las ofrendas y eventos que se llevan a cabo el 1 y 2 de noviembre para honrar a las personas fallecidas, así como un referente cultural, producto del meztizaje dentro del territorio mexicano.

Algunos datos interesantes de la flor

Además de que la flor esta estrechamente relacionada con la festividad propia del folclore mexicano, existen algunos datos que quizás no conocías de ella.

Es conocida con diferentes nombres

Además de conocerse como flor de cempasúchil, tiene otros nombres, entre los que se pueden destacar: flor de muerto, cempasochil, cempoal, flor de cempoal, flor del difunto, flor de muerto chino, veinte flores, flor del niño y sus variantes en diferentes dialectos, por ejemplo en mixteco se llama yita cua, en cora púua, en maya es conocida con tres nombres, ts’uul xpujuk, xpa’ajuk y xpayjul.

Existen diferentes variedades de la flor

El registro actual del Servicio nacional de inspección y certificación de semillas indica que existen al menos 30 variedades diferentes de cempasúchil, entre las que destacan la tagetes erecta, es decir la flor más común actualmente, la tagetes patula, una combinación de colores anaranjados con puntas amarillas, la tagetes lunulata y la targete tenuifolia.

El significado para los mexicas

La gente del antiguo México-Tenochtitlán empleaba esta flor debido al parecido que le encontraban tanto en el color como la flor al astro solar. Así, desarrollaron la creencia que la flor tenia ese color porque guardaba un poco del calor del sol y su aroma era una manera de cuidar y guiar a los difuntos al más allá de forma segura.

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Cultura,Mariachi,Música

Canciones que todos los mariachis deben saber

23 Oct , 2018  

mariachis para serenatas df

Mariachis para serenatas df

Entre las tradiciones más populares que existen en México, contratar mariachis para serenatas es una de ellas. Ya sea para una persona en especifico o para amenizar una gran celebración, escuchar los ritmos de la guitarra, el violin, la viola, el guitarron y la trompeta es una experiencia que despierta los cinco sentidos.

Especialmente en las fiestas, existen canciones del dominio popular que pueden ser la diferencia entre crear un ambiente agradable e intimo o que la presencia de música en vivo pase desapercibida por la mayoría de los asistentes. Por ello, nos hemos dado a la tarea de crear un listado con las canciones que no pueden faltar en el repertorio de cualquier mariachi, y si tú no te las sabes bien, las vayas practicando para la siguiente gran fiesta.

Cielo rojo

Canción que puede interpretarse en voces femeninas y masculinas, esta canción se ha consagrado como una de las favoritas dentro del repertorio de música ranchera. Compuesta por el mexicano Juan Záizar, la canción fue un éxito gracias a la cantante Flor Silvestre. Grabada junto al mariachi Vargas de Tecatitlán, desde 1957 se popularizó rápidamente tanto en México como alrededor del mundo.

El rey 

Escrita por el compositor José Alfredo Jiménez con dedicatoria a Alicia Juaréz, la canción del rey se ha convertido de la cultura y folclore mexicano. La primera interpretación fue hecha por el mismo autor, pero a lo largo del tiempo a tenido otros grandes interpretes, como Pedro Vargas, Vicentes Fernández y Luis Miguel.

Cruz de olvido

Otra canción escrita por Záizar, su autor, junto con otros cantantes como Chavela Vargas, popularizaron esta melancólica canción que se relaciona estrechamente con la tristeza del amor.

Acá entre nos 

Compuesta por Martín Urieta Solano, esta canción destaca por ser de los primeros temas rancheros que se alejaban un poco de los temas regionales para hablar de cosas más universales, como el desamor. Gran parte de las canciones que ha compuesto han sido grandes éxitos en la voz del cantante Vicente Fernández, y son muyu populares entre el género, solo por destacar algunas. este hombre fue responsable de: Mujeres divinas, Urge, Moño negro, Qué de raro tiene. 

El Mariachi loco

Uno de los temas que acostumbra a tocar cualquier mariachi cuando se va a retirar de cualquier interpretación. Esta canción con ritmo, no solo hace bailar a los músicos, sino a cualquiera que la llegue a escuchar. La canción fue cantada por primera vez por el famoso Mariachi Vargas, convirtiéndose en un referente de la música ranchera.

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Clases,Cultura

Un arte marcial milenario: Jiu Jitsu

23 Oct , 2018  

jiu jitsu escuelas df

jiu jitsu escuelas df 

Alrededor del mundo se han establecido muchas escuelas de jiu jitsu, tanto en el estilo brasileño como los estilos más antiguos, entre el que destaca el japonés. Considerado una de las artes marciales más antiguas y de las que derivan muchas otras, como el judo, los  métodos de combate de esta arte milenario se han desarrollado desde hace unos 2000 años de antigüedad, según registros que se han encontrado en diferentes partes del Asia, como la India, China y Japón.

¿Dónde se originó?

Su origen no es claro, pues se tienen varias teorías e historias, encontradas tanto en Japón como en otros países, entre los cuales destaca China, Persia, India, Alemania y Egipto.

Realmente no existe un documento 100% confiable que pueda hablar del origen de este estilo de pelea, sin embargo, la mayoría de las personas consideran que el país que tiene más documentación histórica es Japón, pues en este país fue donde se desarrollaron y pulieron todas las técnicas empleadas actualmente, por ello a el se le atribuye el origen de esta arte marcial, empleada principalmente en torneos y como una forma de aprender defensa personal.

Inicio de las artes marciales

Se cree que todo comenzó en la India, en la época de Buda. En esos tiempos, los monjes que practicaban budismo peregrinaban por todo el continente asiático para difundir su religión, sin embargo, en los caminos estos monjes eran asaltados o asesinados por diferentes personas. Debido a estos ataques, los mismo monjes fueron desarrollando un sistema de defensa que no requiera el uso de armas y solo les permitiera inmovilizar al contrincante cuando alguno de los peregrinos fuera victima de un ataque.

Al ver la eficacia del método, personas ajenas a la religión tuvieron la oportunidad de ir aprendiendo o incluso modificando movimientos para el uso personal, trasmitiendo los conocimientos y desarrollando diferentes estilos, de aquí se cree que surgieron las diferentes artes marciales que se desarrollaron en Japón, China, India, Corea y otros sitios del continente asiático.

Origen del Jiu jitsu

Antes de recibir el nombre actual, esta arte se conoció como Kumi-Uchi, que se traduce como “técnicas de lucha” y se referían a todas las técnicas que empleaba un guerrero en combate para cuando entraba en una batalla de cuerpo a cuerpo. Sin armas para luchar, una persona debía de ser capaz de incapacitar a su posible agresor antes de que este le causará alguna herida.

Por ellos diferentes personas comenzaron a desarrollar técnicas que combinaban golpes, patadas y inmovilización de las articulaciones, volviéndose expertos y creando así maestros que eran conocidos como Yawara.

Se considera que que los principios modernos del Jiu Jitsu tienen su origen durante el siglo VIII y el XVI. Las constantes guerras civiles del país llevaron a que las técnicas de pelea cuerpo a cuerpo se desarrollaran a profundidad, aunque seguía considerándose un arte secundario, ya que el principal método de pelea todavía era el que utilizaba la katana.

La formación de Jiu Jitsu como una arte marcial que puede enseñarse (escuelas) se debe a un médico de nombre Akiyama, quien, después de un viaje a China y un intento fallido de mostrar a sus alumnos de medicina quienes al final abandonaron los estudios, se encerró en un templo, en el cual se dedicó a desarrollar los movimientos empleados en el Jiu Jitsu, que ponían la flexibilidad sobre la fuerza física. Al salir del templo, convirtió su abandonada escuela de medicina en una de las primeras escuelas de artes marciales.

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Consejos,Música,Piano,Tips

7 razones para aprender a tocar piano

18 Oct , 2018  

academia de piano

Academia de piano 

Asistir a una academia de piano y aprender a tocar este instrumento no solo es una excelente manera de adentrarse en el mundo de la música, también permite darle el desarrollo de habilidades que son muy beneficiosas para la mente.

Ayuda a reducir el estrés

Muchos estudios en diferentes universidades y centro especializados han demostrado que la música es muy beneficiosas sobre el estrés y los problemas que derivan de esto. El sonido del piano, específicamente, permite calmar el estrés, la angustia propia de la vida cotidiana y ayuda a que la mente encuentre la calma.

Otra razón para que el piano sea tan bueno, se debe a que al practicar todos los días, el pianista se concentra en una tarea en especifica y por ello no puede pensar en ese momento en otra cosa, ya que no solo debe concentrarse en las notas, sino pensar en las armonías, los matices, la respiración, velocidad. Así, las inquietudes personales se alejan, el agotamiento físico disminuye y se activan zonas del cerebro responsables de buen humor.

El piano te ayudará a “modificar el cerebro

Según estudios realizados por la universidad Norhwestern, determinaron que la música es muy beneficiosa para la salud y el bienestar. Especialmente, aprender a tocar música por medio del piano te permite generar nuevas conexiones neurológicas, debido a la técnica que se usa para aprender es diferente de otros instrumentos. ya que es necesario el uso de ambas manos para ello, para lo que se necesita una mejor concentración.

Aprendes a coordinar cuerpo y mente

De manera física, al aprender a tocar un instrumento musical, no solo se desarrollan las habilidades cognitivas. sino las habilidades motoras y de coordinación. La combinación de cerebro, vista y manos es necesario para poder leer una partitura, colocar los dedos en las notas o acordes correspondiente y ejecutar con precisión cada una de las notas musicales que la canción pide, así como de la velocidad e intensidad necesaria.

Mejora tu memoria y habilidades cognitivas

Al aprender a tocar el piano o cualquier otro instrumento de música, influye en la mejora de las capacidades intelectuales. Por ello, se han llevado a cabo numerosas investigaciones que han llegado a la conclusión que tanto escuchar música y saber tocar un instrumento mejora notablemente la memoria.

Esto se debe a que al aprender sobre música, no solo es recordar las notas, sino descifrar todo un nuevo lenguaje: solfeo, claves, gamas, teoría musical, armonía, comprensión de partituras, notas a través del sonido, lo cual fomenta el proceso intelectual de la mente, tanto para recordar como para procesar la información.

Aprendes disciplina y a ser perseverante 

Al aprender a tocar un instrumento y música a través de las notas y el solfeo, las personas aprender a ser disciplinadas y perseverantes. ¿Por qué? El solfeo es igual que cualquier otro idioma, salvo que este en vez de usar palabras, se basa en posiciones y comprender el significado de cada nota y símbolos. Por ello, al aprender las personas que aprenden de música necesita ser disciplinada y exigente, para que su aprendizaje sea progresivo.

Por eso, si las personas no tienen este hábito, al comenzar a dedicarse a ser constante en su práctica y no dejar la tarea de lado, la paciencia, perseverancia y practica, estas útiles habilidades pueden transportarse a otras áreas de la vida diaria.

Mejora y facilita la lectura 

Igual que cualquier otra materia enseñada en educación básica, las habilidades aprendidas pueden ser empleadas en diferentes áreas y la música no es la excepción. Esta se puede asociar con conocimientos de matemáticas y lectura, pues para aprender sobre música, se aplican conocimientos de cálculos matemáticos y lectura rápida

El solfeo, al ser un nuevo lenguaje, permite aprender notas, claves, intervalos, armonía y ritmos que se emplean en las partituras, por lo que es necesario aprender a identificar cada símbolo, mejorando la comprensión lectora y mejora la velocidad de la lectura.

Ayuda a socializar

Aunque las personas no lo piensen así, al aprender a desarrollar el piano se puede desarrollar la inteligencia social de cada practicante. Aunque se trate de aprender a tocar el piano solo, para aprender la posición correcta, el solfeo y algunas otras técnicas, es necesario que cada practicante asista a con un maestro profesional, a una academia o ir a un conservatorio para aprender solfeo junto a otros alumnos que pueden tocar diferentes instrumentos.

Aunque la gente guste interpretar piezas en solitario, tocar cualquier instrumento como piano, guitarra o violín permite hacer más amigos y relacionarse, especialmente en la época adolescencia.

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Clases de musica

¿Qué es la educación musical?

16 Oct , 2018  

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Academia de música en el Distrito Federal

La educación musical comprende todo lo que rodea los procesos de enseñanza y aprendizaje con respecto al ámbito de la música, el sistema educativo, los programas educativos, los métodos de enseñanza, las instituciones, los maestros, etc. La expresión puede referirse a ámbitos y enseñanzas muy distintos en cada academia de musica en DF, entre otros los relacionados con la música en la educación obligatoria.

La incorporación de la enseñanza de la música desde las primeras etapas de los niveles escolares, hasta los estudios más adelantados en centros musicales específicos o en las universidades es un planteamiento muy común en toda la sociedad occidental.

La música ha sido considerada como un lenguaje universal, aunque actualmente el término más aceptado es el del fenómeno universal porque forma parte de todas las culturas. Al expresarse se practican formas distintas, dependiendo de lo que se vaya a comunicar, al igual que ocurre con la música, tiene pausas, acentuaciones y cadencias. Como cualquier lenguaje necesita de exposición, desarrollo y desenlace.

Una opción de negocio

El portal Entrepreneur señala que la música es un lenguaje universal que no pasa de moda, su mercado potencial no distingue entre nada, Así que si tocas un instrumento o conoces a quienes lo hacen, podrías arrancar un negocio de formación musical, se trata de un giro en el que puedes trabajar en dos modalidades.

La primera opción es operar desde tu hogar y consiste en integrar a un equipo de profesionales que den clases a domicilio. El segundo esquema va en que, si tienes los recursos suficientes, es abrir una escuela en un local en renta o comprar un predio.

Si te decides por la segunda opción, puedes obtener utilidades superiores al 30% desde el primer año de operación, la clave es contar con una oferta integral de cursos mensuales, bimestrales y semestrales. Además de clases a domicilio y cursos de verano para aprender a tocar instrumentos musicales como guitarra acústica y eléctrica, bajo, batería, piano, saxofón, chelo, violín, entre otros.

Asimismo, se pueden incorporar clases de canto y solfeo, servicio de balance y afinación de equipo, así como venta de instrumentos, libros, discos y accesorios. Lo importante es proporcionar atención integral a tu cliente y la inversión promedio requerida en este esquema es de $222,000 pesos.

 

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¿Qué es el tap?

16 Oct , 2018  

baile tap

Baile tap

El tap también es llamado claqué, es un estilo de baile estadounidense en el que se mueven los pies rítmicamente mientras se realiza un zapateo musical. Este tipo de baile tap de nace a partir de la fusión de danzas zuecos de Irlanda, el norte de Inglaterra y Escocia, combinado con bailes practicados por los afroamericanos como la juba por allá del siglo XVII.

En 1793 se prohibió a los esclavos negros que utilicen instrumentos de percusión, esto los motivó a realizar la percusión con los pies y manos. Bailado en un principio por los esclavos, se pulió en los Estados Unidos después de su Guerra de Secesión, se reunían para competir y demostrar sus mejores pasos y movimientos.

Mientras las danzas se mezclaban, un nuevo universo de baile nacía, el tap americano. Los bailarines relajaron las posturas rígidas irlandesas, usaron los brazos y hombros para marcar, se añadieron pasos nuevos, la improvisación era primordial en ese baile.

“El 25 de mayo se festeja el Día Internacional del Tap”

Tras su auge en los años 30-40 consiguió gran popularidad por su presencia en diversos musicales de Hollywood y con artistas como Fred Astaire, el tap se alejó de los escenarios norteamericanos hasta resurgir en los años 70, en los años 80 se realizó una serie de shows en Broadway.

El zapateo siempre se ubicó dentro del “show business”, más que en el circuito de la “danza seria”. Sin embargo, hoy en día existen grandes compañías que hacen temporadas en teatros antes impensables para el tap y sus shows son meramente dedicados a esta danza.

El claqué es un ejemplo de danza que no tiene pareja y generalmente es coreografiada con uno o más bailarines principiantes. Un sonido de golpeteo rítmico es alcanzado por el bailarín a partir de las pequeñas placas de metal que lleva en los zapatos, en una manera, el bailarín también se convierte en músico de percusión.

Aunque el claqué es parte de del tejido social de EU, una forma única de danza percusiva nacida en América a partir de las tradiciones africanas. El claqué también se puede bailar sin música, conocido como “a capela”. Otro tipo de claqué es la forma “soft-shoe”, un estilo que se interpreta en zapatos de suela blanda sin placas metálicos. La naturaleza del tapping en este estilo de claqué es más tranquila y suave, y generalmente hay un elemento de humor dentro de las rutinas de baile.

La vestimenta correcta para el tap

Hay que recordar que el tap es un estilo de baile que mezcla el entretenimiento visual con el auditivo al formar sonidos rítmicos con los zapatos y el suelo. En general, esta danza se coros, grupos de bailarines vestidos iguales que dan un show de fondo para el artista principal de un musical.

A continuación, las características del vestuario tradicional para ir a tus clases de tap:

  • Deberás seleccionar un par de medias para usar debajo de tu falda o pantaloncillo, las de nylon o de colores te dan un toque sensual cuando de adultos se trate y las negras son ideales para trajes más modestos o de niños.
  • Usa zapatos de tap sólo cuando lo estés practicando, pues si no tienes precaución, podrías arruinar el suelo en el que comiences a zapatear.
  • Usa pantaloncillos o una falda corta, pues los atuendos de esta danza enfatizan las piernas del bailarín.
  • Asimismo, selecciona chalecos ajustados para mostrar tus brazos, puedes resaltarlos con un chaleco o una camiseta ajustada, recuerda que la apariencia formal es popular.
  • Coloca una corbata en el cuello de chaleco, un mono o una corbata de oficina son detalles en el disfraz.
  • Usa guantes para extender tus muñecas
  • Selecciona un sombrero que combine con tu atuendo, en general, se usan coreografías
  • Puedes usar un bastón en una mano, así como el sombrero este elemento es usado en el baile. Los bastones funcionan particularmente con los disfraces de bailarines de tap porque pueden replicar el sonido de los zapatos mientras bailas, haciendo del bastón un complemento perfecto.

 

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Clases de musica,Conciertos,Música

La iniciación musical en la infancia

16 Oct , 2018  

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Clases de piano en Iztapalapa

Los padres siempre quieren lo mejor para los hijos, lo difícil es saber qué es lo mejor para ellos, lo que les conviene o lo que no. Al final, la labor del padre es encaminarlos lo mejor posible a la batalla de la vida. Has recibido muchas recomendaciones sobre inscribirlos a clases de piano en Iztapalapa, pues es la escuela que esta más cerca, inscribirlos a practicar algún deporte o a materias extracurriculares.

Puedes escoger entre una infinidad de opciones y elegir la que más te convenza, aprovecha ahora que son como esponjitas y ayúdalos a desarrollar más plenamente todas sus facultades. A continuación, va mi recomendación.

La iniciación musical en etapas tempranas puede hacerse desde el hogar, pues los pequeños pueden aprender sonidos y ritmos simplemente si escuchan canciones infantiles o, por ejemplo, cuando los padres aplauden durante una canción.

Según científicos, estudios reflejan que la música favorece la capacidad de los niños para la atención y la concentración, potenciando así su rendimiento en la escuela. La música estimula la memoria, el análisis, la síntesis y el razonamiento, por lo tanto, el aprendizaje.

La educación musical temprana comienza en niños de 2 a 5 años y tienen como objetivo el descubrimiento y desarrollo de las capacidades expresivas, musicales y psicomotoras del niño, que permiten, posteriormente la elección de un instrumento musical según sus preferencias y aptitudes.

El portal Con mis hijos.com señalan que, a partir de los seis años, en la mayor parte de las escuelas de música suelen pasar de la iniciación musical a la de formación musical en la que el niño toma contacto con el instrumento musical y por qué no, continuar sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música.

De una forma general, los maestros de música para niños trabajan principalmente con:

  • Desarrollo de la voz
  • El contacto con las fuentes sonoras a través de materiales diversos, como objetos e instrumentos
  • Reconocimiento y la representación del sonido respecto a su duración, intensidad, altura, timbre, etc.
  • El desarrollo de la percepción auditiva
  • La utilización del movimiento como medio de expresión y sensibilización motriz, visual y auditiva para conocer el propio cuerpo, desarrolla el sentido rítmico y fomentar las relaciones sociales.

 

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