Arte,Consejos,Literatura

Consejos de Julio Cortázar para escribir cuentos

29 Jul , 2019  

taller de creación literaria

La literatura latinoamericana tiene grandes cuentistas, y no lo digo yo, sino el propio trabajo de los autores que los ha llevado a formar parte del canon de la literatura universal. Uno de ellos es Julio Cortázar, escritor, traductor e intelectual argentino, quien es considerado un maestro del relato corto, la prosa poética y la narración en general. Fue un autor sumamente innovador y original, rompió los moldes clásicos e inauguró una nueva forma de hacer literatura. Si tú quieres empezar a escribir pero tienes miedo de hacerlo, puedes unirte a un taller de creación literaria, o, si prefieres hacerlo solo, aquí te presentó unos cuantos consejos que el propio Cortázar dio para poder escribir cuentos.

  • No hay leyes para escribir un cuento, sólo puntos de vista

El escritor argentino menciona que “nadie puede pretender que los cuentos sólo deban escribirse luego de conocer sus leyes… no hay tales leyes”; es decir, no hay ninguna fórmula o regla que se debe de seguir para escribir un cuento. Él habla de que, tal vez, hay “puntos de vista” o ciertas constantes que se presentan en la estructura de este género, y eso es lo único que nos puede guiar para adentrarnos en la escritura de un cuento.

  • El cuento es un mundo propio

Cada cuento presenta una historia diferente, no importa si hay varios que hablen o toquen el mismo tema, lo importantes es que, al momento de escribir un relato, pienses en que la historia de este no interesa más que para el pequeño ambiente de tus personajes.

  • El cuento debe tener vida

Cortázar dice que cuando escribe un cuento busca instintivamente “que eche a vivir con una vida independiente”, esto quiere decir que cada cuento se le presente al lector como algo que ha nacido “por sí mismo, en sí mismo y hasta de sí mismo”, sin la intervención explícita del escritor. En resumen, cada cuento es y existe independientemente de su autor.

  • El cuento debe ser contundente

A diferencia de una novela, que va acumulando sus efectos en el lector, un buen cuento debe ser agudo y dar en el blanco desde las primeras líneas. En los cuentos no hay elementos gratuitos ni decorativos o de relleno, al contrario, todo su contenido es conciso y eficaz, debe ser como un golpe fuerte para el lector. Para Cortázar, “el buen cuentista es un boxeador muy astuto, y muchos de sus golpes iniciales pueden parecer poco eficaces cuando, en realidad, están minando ya las resistencias más sólidas del adversario”.

 

Arte,Clases,Cultura,Cursos de verano,Niños

Talleres y cursos de verano para niños en CDMX

26 Jul , 2019  

xitle

Las vacaciones de verano ya están aquí, y son el momento indicado para pasarla bien, relajarse y no pensar ni en el trabajo ni en la escuela. Esta es la época del año en el que las playas, los pueblitos mágicos o los centros turísticos se llenan de tranquilos vacacionistas; pero si tú no saldrás de la ciudad y estás buscando que actividades recreativas puedes realizar en ella, o si buscas inscribir a tus hijos en cursos de verano o talleres que los hagan divertirse mucho mientras aprender algo nuevo, entonces sigue leyendo porque en esta nota te traemos unas cuantas sugerencias.

En el Centro Cultural Xitle, ubicado en Azcapotzalco, se ofrecen muchas opciones para que tanto tú como tus hijos o sobrinos, hermanos o primos pequeños, pasen un verano divertido y lleno de cultura. Cuentan con un taller de teatro, cuya misión va más allá de sólo enseñar y dar a conocer lo que es el arte dramático, lo que busca este taller es que los niños, adolescentes y adultos que participen en él aprendan a desenvolverse físicamente y a hablar en público, no importando en que escenario de su vida se encuentren, como, por ejemplo, en una exposición en la escuela o en una entrevista de trabajo, etc. Al tomar este taller, los niños también perderán el miedo a sentirse exhibidos o estar frente a una audiencia, serán conscientes de su cuerpo y de sus propios movimientos, aprenderán a trabajar en equipo, generando así un sentimiento de empatía y compañerismo con los demás integrantes del taller, además podrán desarrollar sus habilidades sociales al crear amistad con otros niños.

Ahora que, si lo tuyo o lo de los niños no es la actuación, otra opción que ofrece el Centro Cultural Xitle son las clases de pintura, las cuales son impartidas por Fabián Munguía, un diseñador gráfico, impresor, ilustrador y pintor, con más de 15 años de experiencia. En estas clases, los más pequeños aprenderán a dibujar y a pintar animales, objetos, paisajes y la figura humana, con distintas técnicas como óleo y acuarela; asimismo, desarrollarán todavía más su creatividad e imaginación.

En el Centro, también se imparte un taller de danza folklórica, en él se busca estimular la actividad física y el desarrollo motriz de los niños, además, de esta manera, se preservan, conservan y difunden las danzas tradicionales de nuestro país. La danza promueve la disciplina, el compromiso y la perseverancia, valores que los niños pueden poner en práctica siempre. El taller lo imparte Araceli Rosales, quien es integrante del ballet folklórico Yetlanetzi.

Estas son sólo tres opciones de todos los talleres y clases que ofrece el Centro Cultural Xitle, así que no lo pienses más, acércate a sus instalaciones y conoce lo que tiene para ti y tus niños. Te aseguro que pasarán un verano increíble.

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¿Cuál es el origen de “La Catrina”?

19 Jun , 2018  

Es una de las máximas representantes de nuestro país, el mundo le teme, pero nosotros buscamos cualquier cosa que tenga su forma: en una calavera de cerámica, en la ropa, en cualquier mueble u objeto de decoración e incluso, sobre nuestro rostro y en nuestras pieles. La catrina, ícono de nuestra cultura, una imagen que simboliza no solo la muerte, sino la cosmovisión y aceptación de esta para el mexicano.

Pese a esto y el profundo significado de la muerte en las costumbres y tradiciones de México, la imagen de la catrina tiene poco más de un siglo que apareció por primera vez, gracias a pintores y pensadores de la época de Benito Juárez, Sebastian Lerdo de Tejada y Porfirio Díaz. Durante sus gobiernos, el descontento de la clase media por la desigualdad del país y la preferencia de las clases privilegiadas dio paso a que muchos hicieran público su informidad y critica por medio de escritos, que utilizaban la sátira y el tono burlesco, acompañados de dibujos que representaban y apoyaban su pensamiento.

En este periodo, José Guadalupe Posada, reconocido caricaturista, ilustrador y grabador de le época, público diferentes trabajos que se caracterizaban por sus criticas sociales, la evidente desigualdad e injusticia del país durante el periodo porfirista, los cuales iban acompañados por diversos grabados de calacas o calaveras que ilustraban todo tipo de situaciones: corridos, historias de crímenes, a los políticos y la alta alcurnia de la Ciudad de México.

Así es como nace la conocida Calavera Garbancera, que era en si una representación del pueblo, en sus mejores y peores momentos. Aunque hoy se asocie más con el día de muertos, este estilo de caricatura era una representación de los famosos vendedores de garbanzo, personas humildes de origen indígena o mestizo que aparentaban ser ricos, tratando de ocultar sus raíces y remarcando fervientemente tener ascendencia europea. Por ello, los comerciantes pretendían llevar

un estilo de vida igual al de las altas casas europeas, daba como resultado que el poco dinero que tenían lo gastarán en ropa, accesorios y demás cosas en vez de invertir en alimento o sustento para ellos y su familia, teniendo un aspecto muy delgado y demacrado, similar al de un cadáver.

Posada fue una influencia y referencia para el pintor mexicano Diego Rivera, quien hasta 1947 cambia el nombre de calavera y ocupa la popular palabra que, en los pueblos, muchos trabajadores y personas de clases bajas usaban para hablar de los grandes hacendados, hombres de clase acomodada, de dinero y que, a pesar del tipo de terreno, siempre vestía ropas finas: El Catrín. Pero Rivera lo uso para hacer referencia a una mujer, por ello es que en su mural Sueño de una tarde dominical en la alameda central (Museo Mural de Diego Rivera) el ser que aparece al lado de su versión infantil y enfrente de Frida Kahlo es conocida como “La catrina”.

 

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From Mexico with love: Arte Huichol

14 Jun , 2018  

“From mexico with love” o como diría una popular agrupación mexicana “de México para el mundo”. Nuestro país no solo es rico por encontrarse en una posición geográfica privilegiada que le ha permitido ser considerado como “un cuerno de la abundancia” en cuanto a productos alimenticios. Además de eso,

Entre las bellezas que más han destacado alrededor del mundo, el arte huichol es una de las tradiciones que recientemente ha acaparado la atención. La innovación combinada con las artes folklóricas del pueblo Huichol, nativos de los estados de Jalisco, Nayarit, Durango, San Luis Potosí y Zacatecas, más que una artesanía, es un arte que permite interpretar el universo por medio de símbolos y diseños.

También conocidos como wixárikas, el origen de los artistas aún no está del todo esclarecido, debido a que no sabe si son descendientes de otros pueblos como el chichimeca o tolteca, pero se acepta que su vida fue muy independiente de los grandes imperios de la época prehispánica. La preservación de su estilo de vida y creencias se debe a que, al arribo de los españoles, el pueblo emigró a la sierra para poder mantener su autonomía y evitar la conquista.

De esta manera, su cultura solo se fortaleció, creando tradiciones y medios para representar su imagen del mundo de una manera particular y única. Sus creaciones y artesanías no solo son consideradas hermosas por mexicanos y extranjeros, sino que detrás de cada composición y diseño se esconden grandes deidades y una cosmovisión que se arraiga en sus creencias religiosas.

La estética que se observa en sus trabajos, la variedad de colores y el uso constantes de tres elementos: el maíz, el venado y el peyote, no son por cuestiones azarosas, sino que son parte de sus interpretaciones de la vida cotidiana, los mitos que se han preservado en la tradición yo deidades atemporales que se representan con los elementos naturales.

El arte huichol ha traspasado las fronteras del espacio y tiempo. Hoy día, cada vez más países buscan exponer en diversos museos y recintos culturales sobre esta ancestral arte. Incluso empresas como Volkswagen han buscado involucrarse en este arte, pidiendo que artistas huicholes decoraran el exterior de uno de sus más emblemáticos vehículos.

Sin importan que tan globalizado este el mundo ni cuanta tecnología haya, de algo podemos estar seguros, los artistas huicholes seguirán protegiendo su cultura y su idea de la vida a través de las chaquira, el hilo y sus ideas.

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Artesanías emblemáticas de México Parte I

31 May , 2018  

Nuestro país cuenta con una amplia variedad de arte que viene directamente de sus raíces: la alfarería mexicana, los alebrijes. El trabajo en plata, los tejidos. Cualquier persona del mundo sabe de donde proviene y el valor cultural que guarda cada artículo. Pero a pesar de que existen muchas, hay unas que destacan más, como el caso de las siguientes piezas que más allá de un producto de decoración, son una representación de nuestra historia y tradiciones.

Gracias al portal de México Desconocido, los usuarios tuvieron la oportunidad de elegir las artesanías más representativas dentro de la República Mexicana, obteniendo los siguientes resultados:

Sombrero de Charro

Es quizás el mayor referente de México en el mundo. Un complemento que nació para cubrir una necesidad básica y se transformó en un artículo que se formó parte de la identidad mexicana. El charro originalmente ocupaba sombreros de este tipo para protegerse del sol mientras supervisaba las labores del campo. En el siglo XIX, estos sombreros que regularmente estaban hechos de fibras comenzaron a ser modificados y poco a poco ser más elaborados para que fueran ocupados en eventos especiales y celebraciones religiosas.

Talavera Poblana

Sin duda no existe mejor muestra del mestizaje en la cultura que este tipo de arte. Es una mezcla entre la alfarería presente en las culturas mesoamericanas y el arte del vidriado y esmaltado español. La materia prima se encontró entre los valles de Puebla, por lo que fue esta ciudad quien comenzó a albergar en sus calles a los maestros loceros. Gracias a la reglamentación y el gremio que creo el Virrey a mediados del siglo XVII, fue lo que permite que ahora está artesanía pueda tener denominación de origen.

Barro negro

Oaxaca es cuna de varias de las artesanías más hermosas del país y una de ellas es su trabajo en barro negro. A pesar de que se ha trabajo en la región desde la época precolombina por zapotecos y mixtecos, es hasta la década de los años 50 cuando una artesana impulsa su trabajo en su taller de Coyotepec, cuando desarrollo una técnica para darle un acabado oscuro y brillante de sus vasijas, ollas y demás figuras.

Platería

El México prehispánico fue descrito por los españoles como una fuente de riquezas. El oro y la plata eran materiales que los aztecas sabían trabajar y tenían técnicas específicas para darles formas a estos metales. En ciudades como Zacatecas, Taxco, y otros pueblos se estableció el trabajo en plata, lugares que aún conservan su tradición y que se destacan por sus trabajos que muestran la habilidad y el detalle en el trabajo de los maestros plateros.

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